(QUESTO ARTICOLO È TRADOTTO DA Google dal norvegese)
I film del famoso regista Stanley Kubrick sono stati spesso caratterizzati come "freddi". Potrebbe esserci qualcosa in quella descrizione, anche se incontra problemi di fronte a film come Orizzonti di gloria og Barry Lyndon. Ma la "freddezza" dei film non è la temperatura di una persona priva di emozioni. Semmai, è la temperatura di un universo disinteressato. Kubrick non aveva tempo per il sentimentalismo (tranne che in Paura e desiderio), perché teneva così tanto all'uomo che era impegnato ad analizzare qualcosa sul fatto dell'esistenza – e sui nostri sentimenti in essa.
Mercoledì 26 agosto mi sono seduto in una piazza della città danese di Odense e ho visto quella di Kubrick 2001: Un'odissea nello spazio (1968). È stato un sollievo dopo aver visto un paio di cortometraggi danesi caratterizzati da un porno emotivo senza direzione. Il ritratto completo dell'evoluzione di Kubrick porta l'impronta di ciò che Susan Sontag, tramite Ortega y Gasset, chiamava arte disumanizzazione. L'opera d'arte ci tira fuori da una prospettiva umana ben nota e ci chiede di riflettere e sperimentare in termini nuovi, oltre il nostro comodo sentimentalismo.
L'opera d'arte non fa un passo indietro per allontanare se stessa o noi dal mondo, dice Sontag, ma perché possiamo vederla e avvicinarci ad essa in un modo nuovo. La sua prospettiva distaccata non è fine a se stessa, ma solo un mezzo per una nuova esperienza. In contrasto con un'arte dal richiamo emotivo diretto, che spesso gioca sulla nostra identificazione personale con personaggi di fantasia, un'arte distaccata e riflessiva mira a estrarre un'empatia che "si fa strada attraverso l'intelligenza"; ci permette di incontrare una stranezza e un'incompetenza nel modo in cui siamo, in modo da poter arrivare a una nuova comprensione, o lottare con qualcosa che non comprendiamo, ma che sperimentiamo nell'incontro con esso. 2001: Odissea nello spazio è uno di questi film per eccellenza.
Nella maggior parte dei festival cinematografici troverai film di entrambi questi tipi e molti che si trovano nel mezzo tra questi estremi (porno emotivo e arte disumanizzata). Alcune delle peculiarità di cartinafestival cinematografici è che puoi arrivare a proiezioni in cui l'intera gamma viene vissuta in un'ora e mezza.
"Per favore, prenda la pillola volontariamente", ordinano allo staff, in quello che appare un vano tentativo di dare alla donna un senso di autodeterminazione.
Il festival internazionale del cortometraggio di Odense (Odense International Film Festival) non fa eccezione, anche se quest'anno non sono mancati i grandi momenti salienti delle proiezioni. Si dice che il festival sia il festival cinematografico più antico della Danimarca e quest'anno ha celebrato il suo 40° anniversario. Si è tenuto 30 volte in questi 40 anni e inizialmente aveva il nome memorabile "Festival del cinema delle fiabe di Hans Christian Andersen".
Il festival proietta cortometraggi danesi e internazionali di vario genere (fiction, documentari, animazione) e offre molti eventi diversi: dibattiti, workshop, programmi focus e seminari. Tutte le sale erano vicine l'una all'altra e l'atmosfera era molto rilassata. Inoltre, quasi tutte le proiezioni erano gratuite per tutti! L'espulsione di 2001: Un'odissea nello spazio è stato una collaborazione con il Cinemateket di Copenaghen ed è stato uno dei numerosi lungometraggi proiettati durante il festival, tra cui Dr. Stranamore (1964), altro capolavoro di Kubrick.
Nell'oscurità. Tra i film nel programma del concorso danese (per un totale di 25 film), ce n'è uno in particolare che si è distinto: Nell'oscurità (2015) di Gustav Möller. Si è distinto anche per il trattamento delle emozioni più distaccato, disciplinato e stilizzato rispetto a molti altri film in programma. Il risultato è stato qualcosa di più vivo, efficace e forte. E forse è perché un'empatia “che passa attraverso l'intelligenza” trova più facile includere un'esperienza in cui si è coinvolti in prima persona; i sentimenti non sono fissati nel film, ma estratti nell'incontro con esso.
Nell'oscurità offre un ritratto concentrato di una donna costretta con la forza in un reparto psichiatrico chiuso. Il film ha un'atmosfera "clinica" che imita la coercizione sistematica a cui è sottoposto il personaggio principale – ciò che nel catalogo viene descritto come "un potere superiore anonimo come il nulla". A questo punto potrebbe ricordare l'ultimo film di John Carpenter, The Ward (2010), in una forma stilizzata più naturalistica, cupa e meno legata al genere.
Quelli larghi, rettangolari portatale immagini enfatizzano le linee nette, dritte e serrate delle pareti che tengono prigioniera la donna. Un silenzio inestinguibile, il rumore di vetri impenetrabili, urla incontrollate, tasti impersonali, voci come ombre possenti e respiri affannosi che non si riconoscono; è come se ci fosse una certa follia sia dentro che tra queste mura, come in realtà dovrebbe domare follia. L'architettura è palesemente disumana, è difficile respirare, pensare e agire liberamente al suo interno. I pensieri si attaccano al muro, che intrappola la donna nella sua oscurità inespressiva.
La forma del film in generale evoca un senso di coercizione, di essere costretto al ricovero in ospedale e di mancanza di libertà esistenziale. Quando la donna urla e si oppone disperatamente all'assunzione delle pillole, è alla coercizione che resiste, e non ai dipendenti in quanto tali, né alle pillole stesse. "Per favore, prenda la pillola volontariamente", ordinano allo staff, in quello che appare un vano tentativo di dare alla donna un senso di autodeterminazione. Il film dà senso a questa esperienza di una situazione in cui la negoziazione e la scelta non esistono; Il "libero arbitrio" si riduce alla coercizione forzata o "volontaria".
Nell'oscurità non sembra un attacco all'impegno involontario. Non è affatto un film didascalico o moralistico; non si tratta principalmente di ciò che è giusto o sbagliato, ma di creare un senso di realtà dura e non libera che può o meno essere necessaria per alcune persone. Il film ritrae una situazione esistenziale con un disciplinato senso artistico della forma, che si afferma come uno dei film danesi più forti dell'anno.
Autocommiserazione. Durante il festival c'erano anche altri film (ma meno interessanti) che trattavano di forme di non-libertà nel nostro sicuro stato sociale, ad esempio Katusha (alcolismo), Teenworld (patriarcato), Ascoltare (violenza familiare e difficoltà di comunicazione), Angeli Caduti (La moralità cristiana condanna la sessualità lesbica), The Owl (handicap), Paradiso (barriere psicologiche) e Lukas e gli Aspies (mancanza di margine di manovra per un ragazzo con Asperger). Insieme a questi ultimi due c'erano Ulaa Salims Figli dei nostri padri tra i più interessanti c’è una poesia che attacca i pregiudizi sull’immigrazione.
Ma molti di questi film sono rimasti impotenti, e penso che sia perché erano troppo ansiosi di spremere le emozioni dal pubblico. Questo è ciò a cui mi riferivo prima con "porno emotivo": sei ansioso di suscitare emozioni negli spettatori in un modo che ti rende piuttosto scherzi loro questi sentimenti. Ciò vale in particolare per film come Angeli Caduti og Katusha (ma anche Allan 3000, Il Gufo e non ultimo quello deplorevole Terra desolata): il primo con i suoi primi piani acritici e incessanti da telenovela di sessualità singhiozzante, che partecipa al dolore dei personaggi senza ridimensionare la partecipazione; Katusha con la sua malinconia indulgente, che ci chiede di accettare il suo sentimentalismo senza aver capito nulla – senza aver avuto il tempo di Tatto nulla. Questi sono film in cui i sentimenti e i pensieri con cui ti siedi non nascono dall'espressione e dall'organizzazione del film, ma vengono pressati su di noi da una telecamera autocommiserante che pensa che sia sufficiente registrare la sofferenza immaginaria.
Distanza. Le storie non sono importanti di per sé e i destini umani immaginari non si muovono di per sé. È quando tutto viene messo in una certa prospettiva che diventa interessante. Forse i cineasti più sensibili dovrebbero guardare più da vicino la "freddezza" di Kubrick, che nella sua distanza estetica dal mondo rappresentato evoca emozioni inimmaginabili; nuove prospettive del feltro. Dopo il festival del cinema di Odense, ho l'impressione che molti cineasti danesi potrebbero permettersi un trattamento più "disumanizzato" del loro materiale. È proprio nella sua distanza formale Nell'oscurità trova il suo potere emotivo. Mi tira fuori dalla mia solita compassione, non per poter analizzare con freddezza, ma per poterlo fare scoprire una nuova empatia.
Eidsaa Larsen è una critica cinematografica regolare a Ny Tid.
endreide@gmail.com
