Strindberg tra luci e ombre

Non è lo splendore del colore che colpisce al terzo piano del Museo Nazionale di Stoccolma. L'autore e drammaturgo August Strindberg amava il grigio. Grigio brillante.

Che si tratti di nuvole, onde o paesaggi montani che sovrastano le tele non è sempre facile capirlo. Spesso non è nemmeno la cosa più importante. Strindberg dipingeva quando non sapeva scrivere. Dipinse le tempeste della gelosia e il potere creativo della natura. Anche se non conosceva veramente il mestiere.

Nell'autobiografia "The Maid's Son" lo descrive così: "Non aveva idea di diventare un pittore, di esporre nell'associazione d'arte o simili. Andare al cavalletto era come sedersi a cantare.»

Dimensione internazionale

Il 9 febbraio è stata inaugurata a Stoccolma la mostra "Strindberg – il pittore e il fotografo". Alla fine di maggio le circa 60 immagini viaggeranno a Copenaghen e in autunno partiranno per la Francia. August Strindberg ha ancora un pubblico internazionale, anche come pittore.

L'interesse per i suoi dipinti è cresciuto negli ultimi quarant'anni, sia tra gli storici dell'arte che tra i collezionisti. La sua espressione era moderna per l'epoca, mentre le immagini sono biograficamente interessanti perché completano la paternità. Ci sono soldi anche dentro. Nel 1990, uno dei suoi film, "Underlandet", è stato venduto all'asta per quasi 23 milioni di corone svedesi. È un record svedese.

Jan Myrdal, che ha tra i suoi crediti anche una biografia di Strindberg, interpreta il valore commerciale di Strindberg come una combinazione di tre fattori: il creatore è famoso, le sue foto sono poche e lo stile è uniforme e facile da riconoscere.

Il gioco d'azzardo

Quando Strindberg decise di dipingere, il processo durò solo poche ore alla volta. Il dipinto era lì e poi. Portava con sé emozioni che dovevano essere espresse, e poi la tavolozza dei colori è stata lasciata a sistemare il resto.

Nel saggio "Nuove direzioni artistiche! o Slumpen i det konstnärliga skapande", descrive un modo di pensare l'arte che anticipa sia i surrealisti degli anni '1920 che l'espressionismo degli anni del dopoguerra.

Descrive un processo in cui lo spettatore prende parte alla creazione dell'immagine. Il significato non è dato dal soggetto, emerge nel dialogo tra l'immagine – non l'artista – e lo spettatore. In questo modo l'immagine è sempre nuova. Il suo messaggio varia a seconda del modo in cui cade la luce, dello stato d'animo dello spettatore. L'intenzione dell'artista nel dipingere il quadro è di secondaria importanza e solo per gli iniziati.

Questo era un nuovo modo di pensare all'arte, e non era dovuto solo ai suoi difetti personali come pittore praticante. Lui stesso non aveva una formazione pittorica formale e aveva solo un numero limitato di motivi ai quali tornava costantemente. Paesaggi di montagna, scogliere e mare, oceano e cielo sono regolari, così come il fogliame che si apre alla luce, alla tempesta o all'acqua.

Non ha mai dipinto le persone e le lingue malvagie dicono che era troppo difficile per lui. Ma fa anche parte della storia il fatto che la qualità tecnica delle sue immagini si sia evoluta nel corso degli anni, anche se l'ambito dei soggetti è rimasto lo stesso.

E come teorico dell'arte aveva molta zavorra. Ottenne presto un riconoscimento come critico d'arte in Svezia e fu, tra le altre cose, il primo a introdurre l'impressionismo francese nelle colonne dei giornali svedesi. Nel corso della sua vita fu in stretto contatto con numerosi pittori, sia nel suo paese d'origine, durante i suoi due soggiorni a Parigi che a Berlino, dove, tra gli altri, Edvard Munch fu uno dei suoi amici. La pittura è un tema ricorrente nei suoi scritti, oltre al fatto che i pittori compaiono costantemente in vari ruoli nella sua letteratura.

Fotografie letterarie

Sebbene Strindberg in "Tjänstkvinnans son" paragoni così modestamente la pittura al canto, è ovvio che a volte aveva ambizioni come artista visivo. La pittura lo aiutò soprattutto negli anni Novanta dell'Ottocento, quando non era in grado di scrivere. Lavora costantemente alle mostre e per un periodo si avvale del proprio agente per aiutarlo a sfondare nel mercato parigino.

Dal 1886, però, lavorò anche con un'altra forma di espressione visiva, ovvero la fotografia. E in queste immagini incontriamo uno Strindberg completamente diverso, un uomo che sperimenta una serie di generi diversi.

Strindberg ha tentato più volte di intraprendere viaggi di reportage più lunghi, per rappresentare le condizioni di vita dei contadini francesi così come la vita quotidiana svedese. L'intenzione era che le fotografie accompagnassero il testo, ma le immagini ogni volta fallivano. Non divenne quindi mai un grande fotoreporter.

Per un certo periodo, però, lui e la sua prima moglie, Siri von Essen, hanno lavorato a una serie fotografica in cui lo stesso Strindberg è protagonista in 25 delle 37 immagini. Le immagini sono ritratti raffiguranti l'Autore, il Padre di Famiglia, il Dandy e una serie di altri tipi stilizzati. A differenza dei dipinti, le fotografie sono chiaramente più letterarie e narrative. Queste immagini hanno avuto successo e l'intenzione era che diventassero un libro. Ma non fu mai finito.

Magia e scienza

Forse il periodo più emozionante nel lavoro di Strindberg come fotografo, tuttavia, si sviluppò più tardi, parallelamente allo sviluppo del suo interesse per le scienze naturali che seguì parallelamente alla pittura dopo il suo divorzio da Siri von Essen.

Strindberg non si fidava degli obiettivi fotografici, così come non si fidava dell'occhio umano. Pertanto, preferirebbe scattare foto con fotocamere senza obiettivo. Un'immagine prodotta senza la manipolazione dell'obiettivo gli sembrava più vera e reale. Idealmente, voleva creare ritratti con tali fotocamere, i cosiddetti "ritratti psicologici", in cui il modello sarebbe stato esposto alla suggestione durante il lungo tempo di esposizione e la fotocamera avrebbe catturato le caratteristiche mentali della persona raffigurata. Non ne è mai venuto fuori niente.

Tuttavia si avvicinò alle trasformazioni della natura. Strindberg fu per un certo periodo un alchimista, che cercò di carpire i segreti dell'oro. Non principalmente per produrre oro dal piombo e dal silicio, ma per avvicinarsi al mistero creativo della natura.

"«...la roccia vive e può generare la vita..." scrive in "Stenernas sucken" a metà degli anni Novanta dell'Ottocento. E sebbene Strindberg, a differenza di molti suoi amici influenzati dal simbolismo e dalla decadenza, abbia sempre avuto il suo lavoro chiaramente radicato nella realtà, il suo rapporto con la natura era di carattere magico-poetico.

Strindberg credeva che si impari dalla creatività della natura. Non per copiare la natura, ma il processo di creazione.

Pertanto, ha lavorato anche con due diversi processi fotografici: uno chiamato cristallizzazioni e l'altro celestografie. Entrambi senza l'utilizzo di obiettivi fotografici.

Le cristallizzazioni sono immagini fotografiche di cristalli di sale che nella loro piccola, quasi invisibile ricchezza di dettagli ricordano piante, muschio e varie piccole escrescenze.

Nelle celestografie cerca di catturare il cielo stellato, il cosmo, la forza vitale stessa. Queste immagini sono scure, terrose, quasi nere. E i piccoli punti luminosi in essi contenuti, che Strindberg pensava fossero stelle, erano probabilmente dovuti a errori nell'operazione chimica di sviluppo delle immagini.

Nessuna di queste immagini ha un valore artistico sorprendentemente grande, né è all’altezza della scienza.

Ciò che testimoniano di più è la magnifica fantasticheria cosmica di Strindberg, le sue idee sul grande nel piccolo e il piccolo nel grande, sul dialogo tra la terra e il cielo.