Camille, Hannah, Lisa, Pauline e Flora

Sono passati più di 50 anni da quando Linda Nochlin (nata nel 1931) nel suo saggio Perché non ci sono state grandi artiste? chiamato per una femminista kunststoria.

La storica dell'arte britannica Katy Hessel ha portato il suo libro La storia dell'arte (senza uomini) ora mettete all'ordine del giorno la possibilità che ci sia una storia dell'arte alternativa – per coloro che sono finiti all'ombra della storia che si concentra sulle opere di artisti maschi.

Non c'è alcuna comprensione controfattuale dell'arte occidentale che Hessel ha intrapreso, né c'è alcuna idea di base che ci sia uno speciale femminile modalità di espressione nell’art. Il libro abbraccia oltre 500 anni e, sebbene le identità degli artisti possano essere diverse da quelle solitamente incontrate in una panoramica di questo tipo, lo sviluppo lineare è lo stesso. Per Hessel vale la pena sfidare il canone dell’arte occidentale, con la sua forte dominanza maschile. E non prende a calci le porte aperte. Arte fatta da uomini, riceve semplicemente più attenzione: nelle collezioni, nei programmi espositivi, nella letteratura artistica, nel mercato dell'arte.

È con anticipazione che apro il libro ben illustrato. Perché non dovrebbero esserci dubbi sul fatto che il libro, nella sua prospettiva coerente secondo cui la storia non è ancora stata completamente raccontata, è una pubblicazione importante. Sebbene la storia del libro si estenda per oltre 550 pagine, il centro di gravità della narrazione risiede negli ultimi 150 anni.

Camille Claudel

La letteratura artistica ha spesso preferito collegare i cambiamenti intervenuti nella disciplina ai nomi, e questi sono stati spesso uomini. Nel capitolo su Camille Claudel (1864-1943), che molti sanno ebbe una relazione con Auguste Rodin (1840-1917) durante il periodo in cui fu assistente presso la bottega dello scultore, Hessel suggerisce che l'influenza di Claudel su Rodin è stata spesso intesa come opposta. Probabilmente non è stato deciso una volta per tutte chi di loro sia stato il primo a trovare un'espressione scultorea che includesse anche il movimento e la rappresentazione provvisoria di una vita interiore. C'è motivo di vedere opere come quelle di Claudel Il valzer come un contributo molto più originale allo sviluppo dell'arte che come un grido di aiuto di un'amante disprezzata a un genio maschile.

Hannah Gluchstein

Il capitolo sulla storia dell'arte queer offre, ad esempio, una serie di spunti artistici di grande interesse Gluck (Hannah Gluchstein, 1895-1978), con immagini che giocano con l'identità di genere e danno spazio agli aspetti più vulnerabili dell'essere umano. In una simile revisione della storia dell'arte femminile (senza gli uomini), le questioni legate al genere e all'identità presupporranno quanto evidenziato. All’interno della scena artistica d’avanguardia intorno e dopo la prima guerra mondiale, è emersa un’arte che problematizza l’identità di genere. Mentre in Gluck c'è spesso qualcosa di fresco, quasi classicista e allo stesso tempo ingenuo, dove la vergogna non sembra mai essere lontana, un'artista come Tamara de Lempika (1898-1980) descrisse anche una sessualità femminile dallo spirito libero, che culminò nell'attività omosessuale in una focosa forma pittorica.

Paolino Botti

Andy Warhols Marilyn Monroe è indiscutibilmente un'icona creata nella Pop Art. Ma Monroe era anche un motivo per gli inglesi Paolino Botti (1938-66). Suo L'unica bionda al mondo fu dipinto dopo la morte di Monroe, avvenuta nel 1963. Un personaggio esuberante sembra essere coperto da una tenda che sta per chiudersi. Il disegno del tappeto può ricordare le ali degli angeli. L'espressione è ancora pop, ma con Boty c'è anche un contenuto emotivo – non come sentimentalismo, ma più in linea con la musica pop contemporanea. L'originale semplice e superficiale alla fine divenne un idioma anche per contesti complessi. In una certa misura, Hessel ha anche sottolineato l'importanza della BBC con il suo programma artistico nel libro Pop va sul cavalletto ha avuto per la visibilità di Boty sulla scena artistica britannica – lei personaggio ha ricevuto un vantaggio nel mezzo televisivo.

Guerilla Girls

La mostra Indagine internazionale sulla pittura e scultura recente al Museum of Modern Art di New York nel 1984 ha esposto 169 opere di diversi artisti degli ultimi dieci anni. Di questi, 17 erano donne. La comprensione etnica del termine “internazionale” era limitata a 17 nazioni. Ciò ha generato a femminista collettivo ribelle chiamato Guerilla Girls – che sono ancora attivi e necessari. Attraverso poster e performance basati su testo, hanno prodotto arte politica in grado di comunicare in larga misura le carenze del mondo dell'arte all'interno di questi circoli, dove hanno disegnato il loro materiale. Con la loro arte incisiva, comprensibile e ideologicamente fondata al di fuori di questo, sembravano anche dei narratori della verità a cui finalmente era stato alzato il sipario.

Flora Yukhonovich

Hessel porta la sua storia fino ai giorni nostri e osa indicare diversi artisti britannici che ritiene possano essere importanti in futuro. I bravi storici dell’arte dovrebbero essere ascoltati anche quando parlano di contemporaneo, anche se dobbiamo ammettere che il mondo è diventato col tempo relativamente poco chiaro. Flora britannica YukhonovichL'arte di oggi ha in sé un delicato miscuglio di tradizione pittorica. Con quella che sembra una disinvoltura artigianale e la volontà di compiacere gli occhi dello spettatore, crea dipinti che fluiscono equamente attraverso il tempo e il luogo. Tengono qualcosa saldamente davanti a noi, danno allo spettatore aria e nutrimento nel momento o allo stesso tempo riposano nella tradizione.

Ancora un'egemonia

Hessel riconosce che le istituzioni artistiche del nostro tempo sono attori consapevoli di lavorare in tempi di cambiamento. Allo stesso modo, le informazioni statistiche mostrano che il canone storico-artistico maschile ha ancora un’egemonia, anche se è diventato oggetto di discussione.

Nella sua rinfrescante analisi della storia dell'arte degli ultimi cinquecento anni, Hessel non crea una narrazione in cui i dipinti stessi diventano espressione dell'identità di genere degli autori o si limitano a questa. Diventa piuttosto il racconto importante dell'altra arte, in quanto espressione dell'arte genere – dove l’egemonia di genere è stata sostenuta da tutte le strutture sociali circostanti.

La lettura di Hessel La storia dell'arte (senza uomini) ce lo fa capire storia dell'arten resiste a un audit per il nostro bene. Considerato isolatamente, il gran numero di artiste negli ultimi 500 anni serve a ricordare che i nostri giudizi sull’arte, sugli artisti e sulla storia dell’arte non sono scolpiti nella pietra. Mi scuso per il gioco di parole alla fine: leggi invece Hessel. Il suo libro è privo di frasi facilmente acquistabili.