(QUESTO ARTICOLO È TRADOTTO DA Google dal norvegese)
L'International Short Film Festival Oberhausen è uno dei festival di cortometraggi più antichi e prestigiosi al mondo. Durante l'ottava edizione del festival, nel 1962, un gruppo di giovani cineasti tedeschi scrisse il cosiddetto Manifesto di Oberhausen, dove hanno dichiarato il "vecchio" film - oppure Il cinema di papà - per morto. Pretesero la creazione di un nuovo tipo di film: più sperimentale e svincolato dalle convenzioni dell'industria cinematografica. Il manifesto ha poi portato alla nascita del "nuovo film tedesco", con rappresentanti come Alexander Kluge, Edgar Reitz, Rainer Werner Fassbinder, Werner Herzog, Wim Wenders e molti altri noti registi.
Quest'anno il festival si è tenuto per la 64esima volta. Nella sua forma attuale, l'Oberhausen Film Festival è una mecca per film d'arte sperimentali e cortometraggi visivamente innovativi che cercano di espandere i confini del linguaggio cinematografico. Nel documentario Beyond Cinema: The Dumpster Kid Experiment e altre utopie (Robert Fischer, 2018), il regista Alexander Kluge afferma che i pionieri del cinema erano persone curiose che sperimentavano il mezzo cinematografico. Furono "molto sorpresi di scoprire che la loro meravigliosa invenzione, il loro strumento di illuminazione, veniva utilizzato per preservare opere teatrali a buon mercato". Edgar Reitz critica anche la durata standard dei film, sostenendo che il formato di 90 minuti è stato preso in prestito dal teatro ed è estraneo alla natura del film.
Industria commerciale
Tuttavia è l’industria cinematografica commerciale a dettare le regole. Quando dico che lavoro con il cinema, la maggior parte delle persone pensa automaticamente a lungometraggi di finzione basati su una trama. Tutto ciò che non rientra in questo formato – documentari, cortometraggi e film sperimentali – è considerato film di seconda categoria, a cui i media e gli spettatori prestano meno attenzione. La teorica cinematografica britannica Laura Mulvey ha introdotto nel saggio Piacere visivo e cinema narrativo (1975) il termine “the male look” (“sguardo maschile”). Con questo intende dire che il pubblico vede il film da una prospettiva maschile eterosessuale. Penso che si possa pensare allo stesso modo riguardo allo "sguardo" dell'industria cinematografica commerciale, che ne ha rigidamente codificato la prospettiva.
Carolee, Barbara e Gunvor può essere interpretato come una risposta alla critica del "male look".
Fortunatamente, ci sono ancora alcuni attori di spicco che lottano contro questa visione ristretta di cosa sia il cinema: il Festival Internazionale del Cortometraggio è uno di questi. È interessante notare che nel Concorso Internazionale di quest'anno erano presenti molti documentari incentrati sull'azione stessa da vedere.
Lo sguardo della donna
Si può interpretare il breve documentario di Lynne Sachs Carolee, Barbara e Gunvor (2018) in risposta alla critica di Laura Mulvey allo sguardo maschile. Sachs segue tre donne, tutte rinomate registe d'avanguardia: Carolee Schneemann, Barbara Hammer e Gunvor Nelson, e dà loro lo spazio per parlare della loro passione per il cinema e del loro modo di vedere il mondo attraverso l'obiettivo della telecamera. Sachs ha trovato un linguaggio cinematografico unico per ciascuna delle storie per riflettere le prospettive dei suoi protagonisti. Eppure c'è qualcosa che manca in questi ritratti dei tre artisti più anziani: l'audacia. Barbara Hammer e Carolee Schneemann sono entrambe note per aver esposto il corpo e la sessualità nelle loro opere. Tuttavia, il film di Sachs manca dello sguardo femminile diretto che non ha paura di esporre i tabù associati ai corpi delle donne anziane. Sachs è molto meno audace nel suo film di quanto lo siano stati i suoi protagonisti nelle loro stesse opere.
Sguardo critico
Con l'uso dell'estetica generata al computer è il documentario sperimentale di Luciano Piazza acedia (2018) un inno alla pigrizia. Il film critica il senso che la società moderna ha della frase di Benjamin Franklin "il tempo è denaro". Inizia con l'osservazione delle persone alle finestre e suggerisce l'idea che in un certo senso tutti lavoriamo per il settore immobiliare. Un'altra sequenza memorabile inizia con le persone che fotografano i ciliegi in fiore. Nella scena seguente vediamo lo schermo di un computer in cui viene inserito "gatto in fiore di ciliegio" nel campo di ricerca di Google. Appaiono varie immagini kitsch e assurde di gatti su ciliegi in fiore. Queste immagini illustrano perfettamente l'ossessione della società per la tecnologia. Vari filosofi, tra cui Marshall McLuhan, descrivono le tecnologie come estensioni del corpo umano. acedia invita lo spettatore a riflettere su come le tecnologie definiscono chi siamo – e termina con previsioni apocalittiche.
Aspetto personale
Il film del regista russo Mikhail Zheleznikov Kameshki ("Ciottolo", 2018) è una personale dichiarazione d'amore a immagini. Fin dall'infanzia, Zheleznikov ha collezionato foto di sconosciuti in cui si imbatte per strada e in altri luoghi pubblici. Per lo più si tratta di ritratti destinati a passaporti e altri documenti. Nel film, Zheleznikov nomina questi personaggi e fantastica sulle loro vite. Questo approccio giocoso alla realtà mi ricorda come io e i miei cugini passavamo il tempo durante l'infanzia. Abbiamo individuato uno sconosciuto nel parco e abbiamo immaginato chi potesse essere questa persona. Che professione svolge? Ha una famiglia? Dove sta andando?
Kameshki mette in discussione la correlazione tra realtà e immagine.
In una delle ultime scene del film, due uomini si siedono in riva al mare e guardano il tramonto, mentre si filmano con un laptop. Con un forte accento russo si dice: "La vita reale è così noiosa, anche in video". L'altro risponde: "Cosa c'è di così reale in questo?" Il dialogo mette in discussione la correlazione tra realtà e immagine e continua la discussione infinita sulla rilevanza dei film documentari.
Nella vita quotidiana siamo invasi da migliaia di immagini, e le più forti sembrano influenzare il modo in cui la maggior parte di noi vede il mondo. Sono convinto che l’educazione cinematografica che presenta prospettive diverse sia altrettanto importante dell’educazione letteraria che fornisce informazioni sulle diverse forme di testo. Gli schemi prevedibili dell’industria cinematografica dominante sono noiosi. Ma ovviamente servono certe basi per imparare a leggere testi audiovisivi più complessi e indiretti.
