(QUESTO ARTICOLO È TRADOTTO DA Google dal norvegese)
"Un poeta morto non scrive – da qui l'importanza di rimanere in vita", afferma il saggio di Michel Houellebecq Per rimanere in vita: un metodo, che è una sorta di manuale di auto-aiuto per artisti sul punto di arrendersi. E poi, più nello specifico, una guida non solo per conviverci, ma anche per coltivare tutta la sofferenza evitabile che l'autore sembra ritenere caratterizzi la mente di ogni artista, piuttosto che usarla come forza propulsiva creativa.
L'omonimo film documentario olandese è un adattamento cinematografico di questo saggio, in cui Iggy Pop trasmette brani del testo (tra l'altro dal suo giardino a Miami), oltre ad essere responsabile della musica del film. Lo stesso leggendario rocker ha un background che supera quello di molti dei suoi colleghi morti e vivi in palese autodistruttività, e il che rende abbastanza incredibile che all'età di 69 anni sia ancora vivo, anche apparentemente in buona forma. Nel film, parla brevemente della sua esperienza sia con l'autolesionismo che con il ricovero in un ospedale psichiatrico, e in modo più dettagliato del testo della canzone "Open Up and Bleed" del suo periodo con la band The Stooges, che secondo per lui tocca gran parte dello stesso argomento del saggio.
Ritratti d'artista. Inoltre, il film ritrae tre artisti meno conosciuti con vari disturbi mentali, che possono essere considerati esempi viventi dell'artista problematico, come descrive Houellebecq nel suo testo. Ma il film contiene anche scene con alcuni dei personaggi menzionati da Houellebecq nel saggio, in situazioni concrete che vengono qui messe in scena con gli attori. Tra questi c'è Henri, un anno, che viene trascurato dalla madre che sta uscendo per un appuntamento, e con questo, secondo l'autore, inizia bene la sua vita da poeta. E il quindicenne Michel non baciato (secondo l'autore stesso?), che vede la ragazza che gli piace sulla pista da ballo con un'altra, e viene sopraffatto sia dal proprio dolore che dalla bellezza della danza e della musica in corso giocato.
Occasione persa. Il film coinvolge anche un personaggio immaginario che non ha origine nel saggio: l'artista di mezza età Vincent, che funge da collegamento tra i personaggi di fantasia messi in scena e i ritratti dell'artista del documentario.
È interessante notare che questo personaggio è interpretato dallo stesso Houellebecq. E quando, verso la fine del film, Iggy Pop gli fa visita nella casa dei nonni dell'autore, potrebbe essere stato un incontro emozionante tra due artisti diversi e imparentati, che sono fan dichiarati l'uno dell'altro. Ma purtroppo questa occasione viene in gran parte sprecata, perché Houellebecq non dovrebbe essere lui stesso sulla scena.
Con il suo uso di elementi di fantasia lo è Per rimanere in vita: un metodo un cosiddetto film ibrido, che al momento è una tendenza nel cinema documentario. Ma laddove la messa in scena delle situazioni descritte nel saggio conferisce al documentario un'espressione cinematografica più ricca, l'incontro sopra menzionato in particolare diventa un esempio di come gli elementi di finzione e documentario in tali ibridi possano anche andare a discapito l'uno dell'altro.
Coltivare il mito dell'artista. Houellebecq scrisse questo saggio già nel 1991, tre anni prima del suo primo romanzo Espansione della zona di combattimento era pubblicato. Tuttavia porta il segno inconfondibile della visione meno positiva dell'autore del mondo in generale e delle persone che lo popolano in particolare, mentre l'interpretazione pessimistica e autocommiserante della necessità della sofferenza non è priva di un certo umorismo.
Ma soprattutto l'autore sembra essere molto sincero nel coltivare il noto mito dell'artista come figura quasi martire, costretta a provare lutto e dolore per creare arte per il resto dell'umanità. La stessa sincerità si ritrova in parte anche nel film, anche se di tanto in tanto si può percepire un luccichio negli occhi del vecchio Iggy quando riproduce passaggi come Tutta la sofferenza è buona. Ogni sofferenza è utile. Tutta la sofferenza è un universo.
Miti del rock. Il mito dell'artista romantico, ovviamente, non ha avuto origine con il saggio di Houellebecq. Già nel XIX secolo l'artista era ammirato per la sua capacità trascendente di vivere il mondo in modo più intenso, spesso associato a malattie mentali, depressione e dipendenza dalla droga. Non da ultimo quest'ultimo elemento è stato centrale nella costruzione del mito attorno ai musicisti rock della generazione di Iggy Pop inclusa, che ha fatto irruzione negli anni '1800 di "espansione della coscienza". Né la romanticizzazione dell’uso di droga e alcol diminuì quando artisti come Joplin, Hendrix e Morrison (e più tardi Cobain, Nielsen e Winehouse) morirono effettivamente a causa di ciò – al contrario.
E anche se Houellebecq si oppone al suicidio nel suo testo, questo può ovviamente avere anche un enorme effetto di costruzione del mito, poiché l'influente band post-punk Joy Division sarà per sempre legata alla morte volontaria del frontman Ian Curtis.
Quando Houellebecq viene avvicinato da Iggy Pop verso la fine del film, potrebbe essere stato un incontro emozionante tra due artisti dichiaratamente fan l'uno dell'altro.
L'arte come terapia. Nel corso del tempo, il dolore e la sofferenza sono diventati parte attesa – se non necessaria – del ruolo dell'artista, qualcosa che anche il testo di Houellebecq sostiene. E forse si potrebbe sostenere che il mito dell’artista sia addirittura diventato una profezia che si autoavvera.
In ogni caso, è un fenomeno ben noto che gli artisti trovano ispirazione nelle proprie esperienze, e i sentimenti grandi e drammatici sono presumibilmente più adatti a questo riguardo rispetto a quelli più banali (anche se con una o due eccezioni in quello che viene chiamato " letteratura realistica"). Oppure, Dio non voglia, la sensazione di soddisfazione. E non bisogna nemmeno dimenticare che creare ed esprimersi attraverso l’arte può di per sé funzionare come terapia.
In altre parole, il mito dell’artista non è necessariamente un mito. E se c'è un fondo di verità nel vecchio detto secondo cui si diventa più forti da tutto ciò che non ti uccide, un po' di resistenza nella vita può sicuramente tornare utile a tutti.
Ingenuo «Feelgood'. Tuttavia c'è qualcosa di ingenuo nell'adesione sincera del film e del saggio a questa concezione classica dell'artista sofferente, che probabilmente emerge anche dal sottotitolo un po' puerile Un film piacevole sulla sofferenza. Un'obiezione che vale ancora, se si tiene conto che il documentario e la sua presentazione letteraria non sono privi di una punta di ironia.
Perché anche se si lascia intendere che gli artisti ritratti nel film non sono stati in grado di essere creativi nei loro momenti più bui e dolorosi, Erik Lieshout e i suoi co-registi non sembrano aver pienamente realizzato quanto la depressione e altri disturbi mentali siano totalmente invalidanti. può essere. Invece, queste vengono innanzitutto evidenziate come esperienze rilevanti, senza che il film approfondisca particolarmente il modo in cui gli artisti hanno utilizzato concretamente queste esperienze nel loro lavoro. E così si può avere l'impressione che il film non prenda abbastanza sul serio il suo tema, nonostante la serietà quasi insistente del saggio originale.
Non ho dubbi che molti artisti in difficoltà abbiano trovato conforto (e forse anche beneficio) nelle parole di Houellebecq secondo cui tutto il dolore accumulato può effettivamente essere utilizzato per qualcosa – un mantra ben noto e, a dire il vero, un po' banale per le anime creative, che il film trasmette in modo seducente e in parte rinfrescante. Tuttavia, io stesso sono ispirato a sottolineare che può esserci troppo male e che non si diventa automaticamente un grande artista sguazzando nel dolore e nell’autocommiserazione. E qui parlo per dolorosa esperienza.
Il film sarà proiettato al festival europeo del cinema documentario Eurodok al Cinemateket di Oslo, che organizzato nel periodo 29.3–2.4.
