Iconografia, tessitura e architettura

C'è qualcosa di simpatico nella serie Pax artes di Pax Forlag, che ora conta 24 piccoli libri informativi, dove l'accessibilità non è andata a scapito del peso accademico.

I dieci scritti di Warburg

Io Aby Warburg Gli studi dell'inizio degli anni Novanta dell'Ottocento attorno a Sandro Botticelli gettarono le basi per quello che chiamiamo a iconologicamente comprensione dell'arte. Lì non ci si riferisce solo alla forma stessa, ma a un contenuto significativo che è formato anche da fattori esterni all'oggetto. In questa antologia è inclusa la sua lettura più concisa su Botticelli del 1898. Qui riflette anche sul proprio metodo, mentre allo stesso tempo riesce a far vivere efficacemente il suo oggetto di studio: "Il senso della realtà nel suo contemporaneo. modelli di ruolo (...) diventa per Sandro solo un mezzo per raggiungere l'obiettivo: esprimere l'intero ciclo della vita emotiva umana dalla quieta malinconia all'intensa eccitazione'.

Nella postfazione alla pubblicazione, il teorico dell'architettura Tim Anstey ha, tra l'altro, spiegato come Warburg sia riuscito a ritrovare un antico dente norvegese con un motivo che appariva anche in opere d'arte fiorentine e olandesi. È stato così dimostrato che non solo c'è stato uno scambio di immagini dall'area culturale olandese con l'Italia, ma che anche un motivo perduto proveniente dalla Norvegia doveva essere un'origine. Che sia corretto o meno è meno importante nell'intervallo di tempo appropriato, ma il fatto che Warborg possa dimostrare che l'influenza può essere andata dalla periferia al centro e viceversa è un punto di grande importanza.

I testi di Warburg offrono un turbinio di riferimenti.

I testi di Warburg offrono un turbinio di riferimenti, quindi questa pubblicazione norvegese potrebbe trarre vantaggio dall'inclusione di una serie di illustrazioni.

Albers sul design

“In un mondo caotico come quello europeo dopo la prima guerra mondiale, tutto il lavoro artistico esplorativo doveva essere sperimentale. L'esistente era fallito – e anche tutto ciò che aveva portato a ciò sembrava sbagliato", scrive Anni Albers in un saggio per il MoMA (Museum of Modern Art, New York) del 1938. Si trattava di arte visivauno come veniva praticato nella scuola tedesca Bauhaus. Dal 1922 fino alla chiusura della scuola nel 1932, Albers fu associato alla scuola e per un breve periodo anche capo del dipartimento di tessitura. Dopo essere emigrata negli Stati Uniti, ricoprì un incarico simile al Black Mountain College (fino al 1949). I testi di questo libro affrontano tutti i diversi aspetti in relazione alla forma e alla materialità.

In "Conversazioni con artisti" (1961), Albers discute ciò che separa l'artigiano e l'artista. Scrive che il suo lavoro è stato caratterizzato come artigiano, addirittura artista-artigiano, anche dopo essere stata la prima artista tessile ad avere la sua mostra personale al MoMA. Penso che molti kunstle persone che lavorano all’interno di circoli materiali che hanno avuto il loro impiego anche nell’artigianato hanno avuto esperienze simili. Perché come dovrebbero essere intesi arte e artigianato come concetti? Non è meno una questione rilevante nel nostro tempo, anche se ora potremmo avere ampie opportunità per offuscare la distinzione.

"Tenere i materiali tra le mani e imparare lavorando con la loro cedevolezza e resistenza, forza e debolezza, fascino e noia."

Il tono di Albers è pacato, ma può esprimere con sicurezza pensieri su come la produzione di massa e la divisione del lavoro abbiano messo alla prova il trattamento complessivo del materiale da parte della mano creativa. Ciò appare quindi incompleto: “Oggi il design è modellare indirettamente. Non ha più un contatto diretto ma indiretto con i media, sia per iscritto che verbalmente. Credo che il compito del nostro tempo sia quello di ristabilire l'esperienza diretta del designer con un mezzo. (…) Si tratta, ad esempio, di tenere in mano i materiali e di imparare lavorando con la loro cedevolezza e resistenza, forza e debolezza, fascino e noia” (1947).

Nel web non è stata fatta alcuna traduzione di immagini da altri media, ma ha avuto luogo un processo di creazione autonoma. Solo con la lavorazione elementare dei materiali si potevano ottenere risultati completi e non con il lavoro d'ufficio come parte iniziale di una catena di produzione. Un'altra conseguenza della divisione del lavoro è che ogni singola professione nel suo insieme vuole che la propria influenza domini l'insieme.

Il Brasile capito attraverso Bo Bardi

Se leggiamo in ordine cronologico le tre nuove pubblicazioni di Pax artes, terminiamo con l'architetto modernista Lina Bo Bardi con il libro Pax Dal Brasile. Attraverso diverse voci significative, nell'arco di un secolo, abbiamo potuto far luce su diversi aspetti. A differenza delle uscite con testi di Warburg e Albers, Bo Bardi probabilmente non è mai stata una lettura popolare. Questa volta è disponibile in traduzione dalla lingua originale portoghese (brasiliana). Molti testi sono di difficile accesso, anche perché sono presi fuori contesto. In tale pubblicazione è necessaria una certa quantità di materiale visivo. È probabile che i lettori previsti dell'antologia abbiano familiarità con alcuni dei progetti descritti. Ma molti dei pezzi sono anche evidenti contributi a discussioni che sono state in corso e che si sono da tempo calmate.

Se proviamo a collegare i testi di Bo Bardi con quelli di Albers, vediamo una distinzione netta. In “Architettura e tecnologia” (1979), Bo Bardi afferma: “Il moderno architetturauno aveva uno scopo: salvare l’uomo attraverso l’architettura. Il Bauhaus fu l’esperienza più importante in questo contesto. Molti di voi potrebbero scegliere il design industriale. Ma cos’è oggi il design industriale? È la rivelazione più evidente della spietatezza di un intero sistema, quello occidentale”. Il futurismo creativo che aveva caratterizzato il modernismo era quindi giunto al termine, così come era stato praticato. Ciò non significa che l’architettura sia morta, ma che è necessaria una nuova prospettiva di vita.

Accanto al Museo del Vetro e del Cemento di San Paolo (1968), il Centro SESC Fábrica da Pompeia (1977–86) è probabilmente la sua opera più nota. Quest'ultimo è innovativo in quanto un edificio già esistente che non ha più la sua destinazione originaria (produzione di beni) viene convertito in una casa di attività (per le persone). In un saggio separato, Bo Bardi parla attentamente del progetto, che descrive come l'opposto del postmodernismo. Attraverso l'applicazione di mezzi semplici Pompei- il centro appare con una dignità che è l'opposto della mania retrò che vede come il risultato delle "più terribili invenzioni umane dell'Occidente". Cioè, il postmodernismo.

Nella pubblicazione con i testi di Warburg, acquisiamo familiarità con la sua iconologia, dove vengono enfatizzate le condizioni esterne all'opera studiata per poterla comprendere. L'architettura è quasi incomprensibile se non si conosce il contesto in cui appare. Il fatto che la selezione dei testi scritti da Bo Bardi sia limitata a dopo il 1946 – quando lasciò la sua nativa Italia e si stabilì in Brasile – offre uno spaccato di un mondo che affascina. Un'approfondita postfazione dell'architetto Thomas McQuillan, che insieme a Mari Lending ha curato la selezione del libro, sembra utile per dare senso ai testi.