«La costante richiesta del nostro tempo di una politicizzazione dell'arte – lo svolgimento di forum e conferenze in cui si discute di politicizzazione – è un segno di ciò che Slavoj Žižek chiama 'pseudoattività'? L'arte di oggi non è profondamente radicata nella gestione esperta degli interessi della società come metodo e persino parte del nostro acuto bisogno contemporaneo di attività incessante? Agire, essere attivi, partecipare, essere sempre pronti ad opporsi, generare nuove idee, essere consapevoli del contesto riflettendo costantemente sui propri metodi di produzione…”
È diventato sempre più difficile distinguere l'opera d'arte dalla comunicazione che la circonda.
Questo è ciò che chiede Bojana Kunst nel suo libro Artista al lavoro. Il fatto che l'arte contemporanea e i suoi praticanti siano arrivati ad assomigliare alla moderna vita lavorativa con l'inarrestabile richiesta di essere produttivi, di guidare se stessi, di rendersi visibili, probabilmente non sembra più particolarmente allarmante per la maggior parte delle persone. Perché in una società della conoscenza dove linguaggio, comunicazione, pensiero e consiglio sono al centro della produzione, non sorprende che questo valga anche per l'arte. Editori, gallerie, artisti dello spettacolo e l'industria culturale nel suo insieme stanno sperimentando come sia diventato sempre più difficile distinguere tra l'opera d'arte e la comunicazione che la circonda.
Ma la cosa inquietante è che in realtà non ci accorgiamo del brutale sfruttamento degli artisti e del lavoro artistico con tutto ciò che implica una sempre maggiore uniformità dell'arte e la perdita di un pubblico critico. Ovunque vuoi che l'arte metta un po' di smalto sull'evento, l'apertura di un ristorante o un festival, mentre mangi l'artista con una bottiglia di vino rosso come pagamento o un libro. Non ce ne accorgiamo perché noi stessi siamo il centro della nostra stessa produzione: «La soggettività oggi è al centro dei metodi di produzione e dei processi di lavoro».
L'arte è sempre stata associata a qualcosa che punta al di là dell'uomo, qualcosa di curativo, qualcosa di trascendente, qualcosa di incomprensibile. Ora l'arte si fonde con l'uomo e le sue costruzioni e diventa difficile persino parlare di un concetto di arte: cos'è l'arte. Ma chi infetta chi? È l'arte che è arrivata ad assomigliare al lavoro moderno? O è tutto il resto che è diventato come l'arte, che le organizzazioni moderne ora agiscono con l'arte come norma: il dipendente deve essere creativo, giocoso, autentico ecc. L'apparenza e la messa in scena sono diventate più importanti del contenuto. È diventato difficile parlare di arte, quella che apre la strada a un'esperienza diversa. Resti kunstuno nel mezzo di una cultura della vita lavorativa in cui tutti lottano per l'attenzione, per la lotta per far accadere qualcosa. Il risultato è l'accumulo di pseudo-attività che, in molti luoghi, risucchiano la vita da un'opera creativa – un accumulo che è legato all'idolatria della formazione della comunità, dell'incontro con la cultura e della tirannia sociale. La cultura dell'incontro è diventata un feticcio, come scrive. «Gli incontri sono qualcosa che rende la vita impossibile», come cita Giorgio Agamben.
Produzione di soggettività
Un potere e un'autorità speciali caratterizzano oggi il capitalismo e l'economia, dove devi investire in te stesso, nel tuo futuro, nei tuoi progetti, nel tuo progetto di vita. Ciò che l'individuo deve produrre soprattutto per affermarsi la società della conoscenza è proprio la soggettività. In una società in cui nessuno può più veramente dire cosa significhi produrre qualcosa di valore (scrittura, consulenza, comunicazione), bisogna praticare sempre di più questa produzione di soggettività – cioè vendere se stesso e le sue relazioni.
Ognuno gioca il proprio gioco e spera per il meglio.
Più importante del lavoro e del pensiero critico dell'arte, è diventato essere abili nel documentare e orchestrare una vita progettuale, una paternità, il proprio genere, soggetto, la propria pratica. La soggettività è in crisi, ma sembra che non abbiamo contromosse. I diversi rami dell'arte coltivano il successo del singolo scrittore, quello, come nel mondo dello sport. Oggi, l'autore e altri artisti sono soli con le loro critiche alle condizioni di lavoro a giornata, alla formazione di monopoli da parte dei grandi editori, alla politica degli appalti, ecc. Nessun terreno comune o fronte critico comune. Ognuno gioca il proprio gioco e spera per il meglio. Uno è messo al suo posto nella macchina sociale neoliberista. Siamo finiti in una situazione in cui, come scrive: «La crisi della soggettività ha perso il suo potenziale liberatorio, che aveva nella pratica artistica degli anni Sessanta e Settanta».
Cultura della confessione
Ma perché non lo vediamo e lo sentiamo? Lo spiega con il francese Michel Foucault e l'autocontrollo e l'autogestione della crescente cultura confessionale: confessionen è diventata la tecnica della nostra epoca per la produzione della verità. Si confessa se stessi, le proprie passioni, interessi, relazioni, fama, malattie, miserie, il proprio amore, i propri peccati. Il problema è che tutta questa tecnica di autogestione è diventata parte del modo in cui funziona il potere. Come lei scrive: "Oggi, il bisogno e l'obbligo di confessarsi è interiorizzato a tal punto che non ci sentiamo più influenzati da una struttura di potere. Non sembra un effetto dovuto a un dominio esterno su di noi.» La soggettività è in crisi, ma non puoi creare spazio per elaborare le tue esperienze. La pretesa del capitale di essere attivo, produrre e collaborare finisce per essere "una misura coercitiva e una copertura del fatto che non abbiamo più tempo".
Ma come uscire da questa prigione? In che modo l'arte rivendica il suo potere critico? La risposta ha a che fare con il tempo, con il nostro modo di vivere in relazione al tempo. Il nostro modo di muoverci. Un tempo diverso dal tempo lineare, il tempo misurato, il tempo occupato, un tempo più lento, una scoperta della durata.
Bojana Arte vede ballare come un modo per creare resistenza, ciò che apre uno spiraglio di permanenza. A differenza della meccanizzazione del corpo e dell'automazione del lavoratore industriale operata dal fordismo, il potenziale e il divertimento della danza iniziano con la capacità della vita quotidiana di creare cambiamenti nei modi in cui il movimento può creare "disturbi qualitativi", "cambiamenti nelle forze della vita" e un "dinamismo temporale". . Si tratta di rallentare il movimento, affondare nel tessuto, lavorare con un materiale, con il tempo che ci vuole. E si tratta di creare una distanza dal lavoro diretto agli obiettivi. Nel movimento Occupy, ad esempio, le persone sono passate da reti disincarnate a forme locali connesse di persistenza temporale e resistenza in luoghi specifici. Art la definisce una «ricerca orientata alla durata di nuove incarnazioni politiche».
Il danese Laboratorio for Ecology and Aesthetics#, citata nella postfazione, si descrive come una pratica di morbida resistenza che si occupa di osservare la natura e le lente modalità organiche dei più piccoli organismi per produrre una nuova vita sorprendente.
Per sopportare la brevità della vita
«Le persone devono avere un senso di lentezza, perché è l'unico modo in cui possiamo distinguere tra cambiamenti desiderabili e possibili», scrive Kunst. Il tempo non è un progetto che deve essere realizzato tutto il tempo. Piuttosto, il tempo stesso è costituito da ostacoli, deviazioni, movimenti involontari, spostamenti impercettibili, un reale lentezza, dove il flusso del tempo semplicemente scompare. Cita il filosofo tedesco Odo Marquard che scrive che «ogni vita umana è fondamentalmente lenta, rispetto alla morte». Allenandoci a questo, diventiamo maggiormente in grado di sopportare che la vita umana è breve rispetto al mondo che ci circonda.
Quando Bojana Art descrive la danza come un'opera reale e non come un'imitazione dell'opera di produzione, è proprio connesso al fatto che la danza crea il proprio tempo e spazio – trasforma la sostanza in movimento. Nega il dato e crea qualcosa di nuovo. Il vero compito dell'art. Coloro che lavorano con la danza e studiano il corpo parlano di noi che viviamo in un'epoca in cui il corpo ha perso la grazia, la leggerezza, la bellezza e quindi la sua stessa pienezza temporale – 'The Fall from Grace'. Oggi abbiamo un corpo addestrato e addomesticato che non irradia grazia. Il corpo scompare a favore della testa, mentre si esibisce e si perfeziona come oggetto.
L'arte di fare meno...
Sono d'accordo con questo autore che le condizioni storiche per il lavoro artistico sono cambiate, che l'arte assomiglia sempre di più al resto della vita lavorativa e alle brutali condizioni del mercato, ma è anche un limite se si crede che il capitalismo e il potere possano spiegare tutte le azioni e opportunità. Ecco perché l'ultima parte del libro sull'arte di farne meno è di fondamentale importanza.
Per inciso, avrebbe potuto essere scritto come una poesia: per mostrare la connessione tra il lavoro artistico e il modo di vivere. Esercitati a vivere in un modo che promuova meraviglia, attività non utili, noia, pigrizia, lentezza. Oggi impariamo a vedere le persone come un potenziale infinito che può e deve essere realizzato attraverso una produttività costante. Ciò che sacrifichiamo non è potenziale, ma impotenziali, la nostra capacità di non essere (Agaben). Per non essere un mezzo per un fine. Non dover essere questo o quello, ma aprirsi, interrogarsi, cercare. Essere vivi è trovare spazio per l'insensato, per l'inutile, lo stupore, il mero essere, l'improduttivo, la lentezza, il sonno.
Come ha scritto Peter Laugesen nelle sue parole commemorative per il collega poeta Henrik Nordbrandt morto l'altro giorno: "Nelle poesie non succede assolutamente niente, ma quel nulla è tutto".