(QUESTO ARTICOLO È TRADOTTO DA Google dal norvegese)
«La costante richiesta del nostro tempo di una politicizzazione dell'arte – lo svolgimento di forum e conferenze in cui si discute di politicizzazione – è un segno di ciò che Slavoj Žižek chiama 'pseudoattività'? L'arte di oggi non è profondamente radicata nella gestione esperta degli interessi della società come metodo e persino parte del nostro acuto bisogno contemporaneo di attività incessante? Agire, essere attivi, partecipare, essere sempre pronti ad opporsi, generare nuove idee, essere consapevoli del contesto riflettendo costantemente sui propri metodi di produzione…”
È diventato sempre più difficile distinguere l'opera d'arte dalla comunicazione che la circonda.
Questo è ciò che chiede Bojana Kunst nel suo libro Artista al lavoro. Il fatto che l'arte contemporanea e i suoi praticanti siano arrivati ad assomigliare alla moderna vita lavorativa con l'inarrestabile richiesta di essere produttivi, di guidare se stessi, di rendersi visibili, probabilmente non sembra più particolarmente allarmante per la maggior parte delle persone. Perché in una società della conoscenza dove linguaggio, comunicazione, pensiero e consiglio sono al centro della produzione, non sorprende che questo valga anche per l'arte. Editori, gallerie, artisti dello spettacolo e l'industria culturale nel suo insieme stanno sperimentando come sia diventato sempre più difficile distinguere tra l'opera d'arte e la comunicazione che la circonda.
Ma la cosa inquietante è che in realtà non ci accorgiamo del brutale sfruttamento degli artisti e del lavoro artistico con tutto ciò che implica una sempre maggiore uniformità dell'arte e la perdita di un pubblico critico. Ovunque vuoi che l'arte metta un po' di smalto sull'evento, l'apertura di un ristorante o un festival, mentre mangi l'artista con una bottiglia di vino rosso come pagamento o un libro. Non ce ne accorgiamo perché noi stessi siamo il centro della nostra stessa produzione: «La soggettività oggi è al centro dei metodi di produzione e dei processi di lavoro».
L'arte è sempre stata associata a qualcosa che va oltre l'uomo, qualcosa che guarisce, qualcosa che trascende, qualcosa di incomprensibile. Ora l'arte si fonde con l'uomo e le sue costruzioni, e diventa difficile persino parlare di un concetto di arte: cosa sia l'arte. Ma chi contagia chi? È l’arte che ha finito per somigliare a un’opera moderna? Oppure è tutto il resto che è diventato come l'arte, per cui le organizzazioni moderne ora agiscono con l'arte come norma: il dipendente deve essere creativo, giocoso, autentico ecc. L'apparenza e la messa in scena sono diventate più importanti del contenuto. È diventato difficile parlare di arte, di ciò che apre la strada a un'esperienza diversa. Resti kunstuno nel mezzo di una cultura della vita lavorativa in cui tutti lottano per l'attenzione, per la lotta per far accadere qualcosa. Il risultato è l’accumulo di pseudo-attività che in molti luoghi risucchiano la vita dal lavoro creativo – un accumulo che è connesso con l’idolatria della formazione comunitaria, dell’incontro con la cultura e di una tirannia sociale. Incontrare la cultura è diventato un feticcio, come scrive. «Le riunioni sono qualcosa che rende la vita impossibile», come cita Giorgio Agamben.
Produzione di soggettività
Un potere e un'autorità speciali caratterizzano il capitalismo e l'economia di oggi, dove devi investire in te stesso, nel tuo futuro, nei tuoi progetti, nel tuo progetto di vita. Ciò che l'individuo deve produrre soprattutto per affermarsi la società della conoscenza è proprio la soggettività. In una società in cui nessuno può più realmente dire cosa significhi produrre qualcosa di valore (scrittura, consulenza, comunicazione), bisogna praticare sempre di più questa produzione di soggettività – cioè di soggettività. vendere se stesso e le sue relazioni.
Ognuno gioca il proprio gioco e spera per il meglio.
Più importante del lavoro e del pensiero critico dell'arte, è diventato essere abili nel documentare e orchestrare la vita di un progetto, una paternità, il proprio genere, il proprio soggetto, la propria pratica. La soggettività è in crisi, ma sembra che non abbiamo alcun movimento contrario. I diversi rami dell'arte coltivano il successo del singolo scrittore, quello, come nel mondo dello sport. Oggi l’autore e altri artisti criticano da soli le condizioni di lavoro simili ai lavoratori giornalieri, la formazione di monopoli da parte dei grandi editori, la politica degli appalti, ecc. Nessun terreno comune o fronte critico comune. Ognuno gioca il proprio gioco e spera per il meglio. Uno viene inserito nella macchina sociale neoliberista. Siamo finiti in una situazione in cui, come lei scrive: «La crisi della soggettività ha perso il suo potenziale liberatorio, che aveva nella pratica artistica degli anni Sessanta e Settanta».
Cultura della confessione
Ma perché non lo vediamo e lo sentiamo? Lo spiega al francese Michel Foucault e l’autocontrollo e l’autogestione della crescente cultura confessionale: confessionen è diventata la tecnica della nostra epoca per la produzione della verità. Ci si confessa, si confessano le proprie passioni, gli interessi, le relazioni, la fama, le malattie, le miserie, i propri amori, i propri peccati. Il problema è che tutta questa tecnica di autogestione è diventata parte del modo in cui funziona il potere. Come scrive: "Oggi il bisogno e l'obbligo di confessarsi sono interiorizzati a tal punto che non ci sentiamo più influenzati da una struttura di potere. Non sembra un effetto dovuto ad un dominio esterno su di noi.» La soggettività è in crisi, ma non è possibile creare spazio per elaborare le proprie esperienze. La richiesta del capitale di essere attivo, produrre e collaborare finisce per essere una "misura coercitiva e una copertura per il fatto che non abbiamo più tempo".
Ma come uscire da questa prigione? In che modo l’arte recupera il suo potere critico? La risposta ha a che fare con il tempo, con il nostro modo di vivere in relazione al tempo. Il nostro modo di muoverci. Un tempo diverso da quello lineare, il tempo misurato, il tempo occupato, un tempo più lento, una scoperta della durata.
Bojana Arte vede ballare come un modo per creare resistenza, ciò che apre uno spiraglio di permanenza. A differenza della meccanizzazione del corpo dell'operaio industriale e dell'automazione del fordismo, il potenziale e il godimento della danza iniziano con la capacità della vita quotidiana di creare cambiamenti nei modi in cui il movimento può creare "disturbi qualitativi", "cambiamenti nelle forze della vita" e un "dinamismo temporale" . Si tratta di rallentare il movimento, di sprofondare nel tessuto, di lavorare con un materiale, con il tempo che richiede. E si tratta di creare una distanza dal lavoro diretto agli obiettivi. Nel movimento Occupy, ad esempio, le persone sono passate da reti disincarnate a forme locali connesse di persistenza temporale e resistenza in luoghi specifici. L'arte la definisce una «ricerca orientata alla durata di nuove incarnazioni politiche».
Il danese Laboratorio per Ecologia ed Estetica# di cui si parla nella postfazione, si descrive come una pratica di resistenza morbida interessata all'osservazione della natura e dei lenti modi organici degli organismi più piccoli di produrre una nuova vita sorprendente.
Sopportare la brevità della vita
«Bisogna avere un senso di lentezza, perché solo così possiamo distinguere tra cambiamenti desiderabili e possibili», scrive Kunst. Il tempo non è un progetto che deve essere realizzato continuamente. Il tempo stesso è piuttosto costituito da ostacoli, deviazioni, movimenti involontari, spostamenti impercettibili, un reale lentezza, dove lo scorrere del tempo semplicemente scompare. Cita il filosofo tedesco Odo Marquard che scrive che «ogni vita umana è fondamentalmente lenta, rispetto alla morte». Addestrandoci in questo, diventiamo più capaci di sopportare il fatto che la vita umana è breve rispetto al mondo che ci circonda.
Quando Bojana Art descrive la danza come un'opera reale e non come un'imitazione del lavoro di produzione, è proprio collegato al fatto che la danza crea il proprio tempo e spazio – trasforma la sostanza in movimento. Nega il dato e crea qualcosa di nuovo. Il compito concreto dell’art. Coloro che lavorano con la danza e studiano il corpo parlano di noi che viviamo in un'epoca in cui il corpo ha perso grazia, leggerezza, bellezza e quindi la propria pienezza temporale – "La caduta dalla grazia". Oggi abbiamo un corpo addestrato e addomesticato che non irradia grazia. Il corpo scompare a favore della testa, nello stesso tempo in cui viene esibito e perfezionato come oggetto.
L’arte di fare meno…
Sono d’accordo con questo autore che le condizioni storiche del lavoro artistico sono cambiate, che l’arte somiglia sempre più al resto della vita lavorativa e alle brutali condizioni del mercato, ma è anche un limite se si crede che il capitalismo e il potere possano spiegare tutte le azioni e opportunità. Ecco perché l’ultima parte del libro sull’arte di farcela meno è di fondamentale importanza.
Per inciso, avrebbe potuto essere scritta come una poesia: per mostrare la connessione tra il lavoro artistico e il modo di vivere. Esercitati a vivere in un modo che promuova lo stupore, l’attività non utile, la noia, la pigrizia, la lentezza. Oggi impariamo a vedere le persone come un potenziale infinito che può e deve essere realizzato attraverso una produttività costante. Ciò che sacrifichiamo non è potenziale, ma impotenti, la nostra capacità di non essere (Agamben). Non essere un mezzo per raggiungere un fine. Non dover essere questo o quello, ma aprirsi, interrogarsi, cercare. Essere vivi è trovare spazio per l'insensato, per l'inutile, per la meraviglia, per il mero essere, per l'improduttivo, per la lentezza, per il sonno.
Come ha scritto Peter Laugesen nelle sue parole commemorative per il collega poeta Henrik Nordbrandt morto l'altro giorno: "Nelle poesie non succede assolutamente nulla, ma quel nulla è tutto".
