(QUESTO ARTICOLO È TRADOTTO DA Google dal norvegese)
Questo è ciò a cui mira la Barbican Art Gallery di Londra esibendo "risposte artistiche a temi come il femminismo, il cambiamento climatico e i diritti umani [...] voci che sono sottorappresentate nell'arte di oggi". La doppia mostra L'arte del cambiamento sta attualmente mostrando immagini di Dorothea Lange (1895–1965) e Vanessa Winship (nata nel 1960), entrambe incentrate su persone delle classi inferiori, povertà e tipica classe operaia. Vedi l'avviso qui.
Anche la fotografia documentaristica può essere problematica. L'immagine iconica di Lange di Florence Thompson durante l'era della Depressione negli Stati Uniti – all'epoca l'immagine più riprodotta al mondo – ne è un esempio. La donna Cherokee che siede con la sua espressione devastata ma ferma, senza un soldo in un campo profughi con i suoi figli nel 1936, dichiarò nel 75 all'età di 1978 anni: "Quella mia immagine è appesa ovunque nel mondo, ma non ho mai avuto niente indietro me stesso." Nel suo diario, Lange scrive invece del ritratto: "Sembrava come se sapesse che le mie foto potevano aiutarla, e quindi ha aiutato me. C’era una sorta di equilibrio tra noi”.
La fotografia socialmente critica e documentaristica ha avuto significati alternati nel corso dei secoli. Come lo descrisse la critica Susan Sontag Sulla fotografia (1977) e Per quanto riguarda il dolore degli altri (2003), invita "all'attenzione, alla riflessione". Ma Sontag ha anche raccontato quanto si sentisse esasperata nei confronti della fotografia – non solo perché le tragedie raffigurate suscitavano in lei disperazione e rabbia, ma anche perché le fotografie non erano in grado di portare ad un’azione politica. Quando il sentimento di ingiustizia cresce in noi, sappiamo allo stesso tempo quanto siamo impotenti, quanto siamo realmente politicamente paralizzati. La frustrazione di Sontag diventa così duplice: si sente in colpa nei confronti di chi soffre, ma anche in disagio per la sua egocentrica mancanza di spirito. Come intellettuale occidentale in realtà fa poco per alleviare la sofferenza degli altri.
Molti di noi ricordano l'immagine di Kevin Carter dell'avvoltoio e del bambino emaciato della carestia del 1994 in Sud Sudan, un'immagine toccante (vedi sopra). Carter vinse il Premio Pulitzer per la sua fotografia, ma si tolse la vita pochi mesi dopo. La lettera d'addio diceva: "Sono perseguitato da ricordi vividi – di omicidi, cadaveri, rabbia e dolore di bambini affamati e feriti, di pazzi dal grilletto facile..."
Ma siamo diventati anche noi avvoltoi, insaziabili della miseria altrui? Sontag ci descrive come "drogati di immagini": desideriamo così intensamente la bellezza, la superficie e il corpo, quasi come un bisogno erotico. Come scrive, 40 anni fa, molto prima dello smartphone e di Instagram: le nostre esperienze oggi sono valide solo se le fotografiamo?
Nella nostra cultura di simpatie/antipatie, è estremamente importante essere consapevoli del contesto di un'immagine: è, ad esempio, una foto di una folla di persone con le loro fotocamere mobili in aria, scattata da un concerto – o semplicemente da un'impiccagione a Teheran? Kaja Schjerven Mollerin ha recentemente effettuato una ricerca più approfondita del contesto nella nuova rivista Bilder: interpreta una foto di Sontag, scattata dalla sua fidanzata fotografa Annie Leibovitz. Nella foto, vediamo Sontag che cammina sul Vesuvio, apparentemente ignara di essere fotografata da dietro. L'interpretazione di Mollerin non collega il motivo solo al romanzo di Sontag L'amante del vulcano, dove Sontag cammina effettivamente su tracce storiche. Interpreta anche il mito di Euridice che viene riportata dagli inferi – dove Orfeo non doveva voltarsi perché voleva perdere la sua amata. Sontag è stata perseguitata più volte dal cancro, di cui alla fine è morta. Il che conferisce al quadro di Leibowitz una dimensione extra e vertiginosa. Una fotografia di successo porta con sé ciò che var che non più er – la vita stessa nella sua essenza, nella sua assoluta impermanenza. Invece di consumare istantanee, possiamo cercare di comprendere ciò che nasconde anche un’immagine.
Ny Tid in futuro dedicherà più spazio alla fotografia.
Il fotografo documentarista brasiliano di fama mondiale Sebastiao Salgado è stato criticato dal New Yorker nel 1991 per aver estetizzato la sofferenza. Scrive Ingrid Sischy: "L'abbellimento delle tragedie rafforza la nostra passività nei confronti delle esperienze che vengono rivelate. Estetizzare le tragedie è il modo più veloce per intorpidire le nostre emozioni." Altri descrivono Salgado come molto meglio dei colleghi più sciatti che trasformano la sofferenza delle persone in una merce, una fonte di benessere morboso. Ci sono un certo numero di fotografi oggi che quasi "si presentano" a eventi orribili e sanguinosi, e forse preferiscono umiliare le vittime piuttosto che, come Salgado, chiedere solidarietà, rispetto e azione. Ad esempio, Carter si limitò a scacciare l'avvoltoio prima di saltare a bordo di un aereo e proseguire.
Ny Tid in futuro dedicherà più spazio alla fotografia. Vogliamo che forma e contenuto – arte e politica – comunichino insieme. Non pensiamo come dottrinalmente conservatori, che rifiutano che la politica abbia qualcosa a che fare con l’arte, o, come dottrinalmente radicali, che rifiutano che l’arte abbia qualcosa a che fare con la politica.
Anche la fotografia documentaristica e il film sulla sofferenza degli altri non devono riguardare solo il fatto che "riguarda gli altri" e che "per fortuna non siamo noi". Se si vuole guardare dietro i volti che ci mostrano artisti come Lange, Salgado, Carter e Winship, la lettura di tali immagini deve includere qualcosa di più del semplice umanesimo sentimentale.
