(QUESTO ARTICOLO È TRADOTTO DA Google dal norvegese)
Quando il Museum of Contemporary Art di Oslo presenta l'artista australiano-indonesiana Fiona Tan con la mostra retrospettiva La geografia del tempo, è con un grande grado di naturalezza. Tan è un artista contemporaneo riconosciuto e meritorio a livello internazionale che ha avuto innumerevoli mostre in gallerie e musei di tutto il mondo. Lavora principalmente con installazioni in cui utilizza film e fotografia. La grande svolta è arrivata a Tan nel 2002, quando l'installazione video viso è stato mostrato in uno dei più importanti raduni mondiali di arte contemporanea, Documenta a Kassel. Nel 2009 è stata scelta per esporre al Padiglione Olandese alla Biennale di Venezia. Nel 2016 ha debuttato come regista di lungometraggi con Il futuro della storia.
Tan è nato in Indonesia nel 1966 da padre cinese e madre australiana, ma è cresciuto in Australia. Vive ad Amsterdam dalla fine degli anni '1980. L'accoglienza del lavoro di Tan è stata caratterizzata dal suo background eterogeneo, il che ha fatto sì che sia stata spesso letta attraverso una lente postcoloniale. I temi Est-Ovest sono senza dubbio presenti in molte delle sue opere. Anche in La geografia del tempo La biografia di Tan è presentata come una chiave per l'arte. Tuttavia, il focus principale della mostra è una questione più generale su "come si forma l'identità e si creano i ricordi".
Sono diverse le opere collegabili sia alla lettura biografica che al tema della memoria. Il cortometraggio Un vuoto di memoria ne è un esempio. Il film è ambientato nella fantasia orientalista del re britannico Giorgio IV di un palazzo del XIX secolo, il Royal Pavillion a Brighton, e segue una narrativa artificiale, simile a una favola, che non è meno orientalista della scenografia. Le immagini di un uomo anziano che vaga per il palazzo abbandonato riccamente decorato sono accompagnate da a voice over che descrive il viaggio passato dell'uomo da un villaggio asiatico all'Europa. Eng Lee è il suo nome. Poco dopo, la storia si inverte: ora il suo nome è Henry, un ragazzo dell'alta borghesia che da giovane viaggiò in Oriente e ebbe una storia d'amore proibita con una ragazza "delicata e fragile come la porcellana". È pazzo e brancola nel suo castello vuoto mentre i suoi ricordi si disintegrano, ci viene detto. È un arabesco di una narrazione che sembra costantemente meravigliarsi dei propri paradossi.
Il sé fotografato. A mio avviso, altre opere in mostra aprono un aspetto diverso e molto più interessante rispetto a questo tema dell'identità e della memoria. Riguarda la continua esplorazione di Tan del genere del ritratto: come si esprime il sé di una persona attraverso le immagini fotografiche? È possibile comunicarlo? Questo è un problema che deve essere risolto artisticamente, e ai miei occhi è qui che si trova il nervo nell'abilità artistica di Tan. È una questione rilevante anche nella storia dell'arte come nella cultura contemporanea, dove la presentazione di sé avviene principalmente attraverso le immagini.
Se si segue questa direzione nell'arte di Tan, la serie lo è Vox populi centrale. La serie è composta da fotografie che Tan ha raccolto dagli album fotografici privati di persone comuni nelle città di tutto il mondo. Al Museo d'Arte Contemporanea sono esposte le versioni di Sydney, Londra e Tokyo: un totale di 870 piccole fotografie incorniciate, distribuite in tre formazioni a sciame sulle pareti. Mostrano situazioni quotidiane, tipicamente fotogeniche: persone in posa a tavola, famiglie allargate in fila nei giardini, bambini piccoli che sorridono da vasche da bagno piene di schiuma; diplomi ricevuti, compleanni festeggiati. Il grande momento dell'omino.
Queste collezioni quasi sorprendentemente poco spettacolari di fotografie amatoriali hanno un precursore norvegese. La voce del popolo norvegese è il primo della serie, ed è stato realizzato come decorazione per lo Storting nel 2004. Qui emerge l'ambizione politica dietro al titolo Vox populi – la voce della gente – in modo più chiaro. La stessa Tan ha detto che li considerava in contrasto con i ritratti dei politici che di solito adornano i corridoi del parlamento. Le fotografie sono organizzate secondo parentele motiviche, ma non intendono costituire un campione statistico rappresentativo che nel loro insieme disegnano il contorno di un "popolo". Piuttosto, sono autorappresentazioni; ogni foto è un momento unico. Ma sono comunque completamente pubblici. Questa sembra essere una formula matematica per la fotografia amatoriale: più il soggetto è privato, più la fotografia è generica.
Nel libro La stanza luminosa scrive Roland Barthes guardando le fotografie della sua defunta madre. Lui "la riconosce in modo differenziale, non essenzialmente", può distinguerla dagli altri, ma non riconosce il suo "essere" nella fotografia. IN Dittico, dove Tan intraprende una variazione artistica dello studio scientifico sui gemelli regolari seguendo dieci coppie di gemelli identici di Gotland per un periodo di cinque anni, lo spettatore deve cercare sia il "differenziale" che l'"essenziale" per distinguerli.
Quantità e particolarità. Anche nell'installazione The Changeling va a lavorare comparativamente. È situato in posizione centrale nella sala principale del museo. Come in Vox populi- la serie ha come materiale ritratti di persone anonime e sconosciute. Questa volta non si tratta di album fotografici privati, ma di un annuario scolastico di una scuola femminile giapponese datato 1929. 200 fotografie quasi identiche si susseguono in ordine uniforme su uno schermo piatto. Tutte le ragazze indossano la stessa uniforme, hanno la stessa spilla attaccata al bavero, hanno lo stesso taglio di capelli e sono poste nella stessa posa. Ciascuna delle fotografie viene visualizzata solo per pochi secondi. C'è appena il tempo sufficiente per distinguere i lineamenti del viso di una ragazza dall'altra, ma appena abbastanza per identificare qualcosa che assomigli all'individualità. In contrasto con questi ritratti fugaci, dall'altra parte della stanza viene costantemente mostrata l'immagine video di una ragazza single. La colonna sonora dell'opera le regala un passato inventato, ed è solo il suo volto che può essere scrutato nel tempo, ma rispetto alla moltitudine di ritratti uniformi, appare stranamente come il meno distintivo di tutti.
Con la videoinstallazione Provenienza Tan rivolge l'attenzione di studentesse anonime alla sua cerchia di amici. Qui mostra una serie di ritratti stilizzati, ma che tuttavia sembrano voler trasmettere qualcosa di significativo e di intimo. Presentata in due stanze buie adiacenti, l'installazione consiste in sei ritratti video in bianco e nero di varie persone nell'ambiente locale di Tan ad Amsterdam. Sia le composizioni che l'uso della luce morbida e naturale che entra dalle finestre sono chiaramente ispirati ai ritratti olandesi del XVII secolo. Le persone ritratte sono riprese nelle loro case, e Tan si sofferma su oggetti e dettagli interni, come se anche queste nature morte potessero trasmettere intimità. A volte le persone sono in fila davanti alla macchina fotografica, rigide e con gli occhi tremolanti, come in una fotografia allungata nel tempo. Un uomo anziano viene ripreso di profilo mentre legge; all'improvviso si volta e fissa lo sguardo sullo spettatore con un sorriso gentile. Ci sono improvvisi momenti di apertura, una presenza improvvisa e sorprendente che in un certo senso illumina. Ma bastano pochi secondi prima di riconoscere la posa: è quella di Rembrandt Auto ritratto da giovane imita. La sensazione di vedere qualcosa di “sostanziale” scivola ancora una volta nella realizzazione di vedere una messa in scena, una maschera.
"Il volto è l'essere inguaribilmente esibito dell'uomo", scriveva Giorgio Agamben. Ma è possibile raffigurare, rappresentare l'essere? In un'epoca in cui la modalità fotografica è passata dall'accertamento del "questo è stato" al momentaneo ed esistenziale "io sono", le domande toccate dal lavoro di Tan sono importanti. La cosa affascinante di queste opere è il modo in cui affronta metodicamente la problematica da tutti i punti di vista, apparentemente senza abbandonare la speranza che un piccolo barlume di sé possa sfondare la superficie dell'immagine.
La mostra è esposta a Il Museo d'Arte Contemporanea fino al 31 gennaio 2016.
Helsvig è un artista visivo e scrittore.
sjhelsvig@gmail.com.
