(QUESTO ARTICOLO È TRADOTTO DA Google dal norvegese)
Boris Groy: Nel flusso
Verso, 2016
"Forse non c'è la morte come la conosciamo. Solo documenti che passano di mano”.
Don De Lillo, White Noise
Fino a poco tempo fa vedevamo l’arte come un luogo che ci permette di vedere noi stessi come parte di una storia più ampia. Attraverso la conservazione delle opere d'arte, il museo ha ritenuto suo compito documentare il nostro passato e il nostro presente. L'opera d'arte era la porta verso l'immortalità. Ma oggi il lavoro individuale si inscrive in un flusso di oggetti che provocano le proprie sinergie: documentazione, blog, siti web, conversazioni continue, eventi. Da tempio sacro di deposito, oggi il museo è una sorta di teatro o palcoscenico per incontri che estendono, dissolvono e reindirizzano i contorni dell'opera in un flusso di eventi, conferenze, convegni, proiezioni, concerti, visite guidate eccetera . L'opera non sembra più vivere come opera, ma soprattutto come documentazione. Che la vita possa solo essere documentata e non sperimentata direttamente non è tuttavia una scoperta nuova. Abbiamo sempre sostituito il vivo con la documentazione. La domanda è come le nostre rappresentazioni (la documentazione) generano nuova vita attraverso nuove narrazioni artificiali, nuovi modi di descrivere e raccontare. Tutto questo preme da più parti. La vita quotidiana, ad esempio, per molte persone è diventata parte di una vita auto-narrativa, teatrale e progettata. L'opera d'arte è vista in molti contesti come il risultato di un modo speciale di selezionare, posizionare, cambiare, trasformare e combinare immagini e oggetti già esistenti. Stiamo entrando in una nuova era in cui «non identifichiamo principalmente l'opera d'arte con l'oggetto attraverso il lavoro manuale di un singolo artista». L'arte contemporanea assomiglia gradualmente alla comune pratica culturale di massa: si condividono pensieri, foto, testi, videoclip. Abbandoniamo l'opposizione tra l'artista come produttore e la massa come consumatore. L'artista lavora in un campo sociale vivente che è esso stesso produttivo piuttosto che consumante. Molte persone lo hanno detto prima di Groys, ma questo gli apre prospettive completamente diverse, più invadenti: la cosa interessante della cultura della rete non è né il software né il numero di link e blog, ma il fatto che ora ci siamo avvicinati alla vita quotidiana e vita in tutto il nostro lavoro. La ricerca dell'autentico e dell'originale da parte dell'artista è oggi sostituita da un utilizzo giocoso e libero di tutto ciò che è disponibile. Il modo di vivere come una sorta di illuminazione profana. Il flâneur artistico non esige dalle cose che gli vengono; arriva al punto. Trova un uso. La vita dell'artista è oggi una biopolitica, un'arte di vivere, dove è costantemente in gioco la propria vita, con nuove opportunità, ma anche nuovi pericoli.
Essere vivo. Cosa può fare l'arte? Può prendere su di sé questo flusso di eventi e cercare di trascendere una contemporaneità in cui tutto è ridotto al qui e ora. Con Internet siamo arrivati a una situazione nuova in cui, attraverso lo sguardo dell'altro, scopriamo non solo che pensiamo e sentiamo, ma anche che siamo vivi e moriremo. Ciò che questa nuova era ha portato sopra ogni altra cosa è che non sappiamo più cosa significhi essere vivi. "Vivere è mettersi in mostra come vivi agli occhi degli altri." L'orgogliosa filosofia illuminista è morta, scrive Groys. "L'Illuminismo cerca di cambiare il mondo attraverso la liberazione della ragione, ma seguendo Nietzsche, Foucault, Deleuze e molti altri, noi vogliamo cambiare il mondo liberando la vita." Oggi sono abbandonato al mio corpo, alla mia mortalità, ai miei organi materiali. Groys lo definisce uno stato di emergenza che ci mette in una grave crisi di tempo e ci costringe ad abbandonare la passività contemplativa della filosofia tradizionale. L’urgenza richiede l’azione: non basta essere vivi, bisogna anche realizzare questo essere-vivi. In altre parole, sperimenta te stesso, la tua vita. Groys vede l'arte come la pratica nella nostra cultura che realizza la consapevolezza di essere vivi. Mostri la tua conoscenza cambiando te stesso, trasformi il mondo esplorando senza sapere cosa stai cercando. Sei un artista, ma anche un attivista. Puoi scrivere poesie, ma ti trasferisci anche in campagna in un collettivo ecologico comune con altre forme di lavoro e di vita. Forse pubblichi libri in una casa editrice, ma lo fai per creare comunità di apprendimento alternative. Crei opere che ci fanno sentire sul nostro corpo che il grande ghiaccio si sta sciogliendo. L'uno non esclude l'altro. Per un numero sempre maggiore di cosiddetti artisti, non si tratta del prodotto finale (l’opera), ma di un modo di essere vivi. È in gioco la vita stessa, qualcosa per cui non puoi progettarti.
L'artista cerca di fermare il progresso lineare, di vedere la vita dal lato della morte.
Ferma il progresso. Il design cerca di creare attrazione e seduzione e di garantire una migliore fruizione delle cose. Lo scopo del design è cambiare la realtà, migliorarla. L'arte accetta la realtà così com'è, cioè come disfunzionale, come già fallita, distorta. Poesie, prosa, installazioni, video non intendono creare una narrazione stabile del nostro tempo o, del resto, migliorarlo. L’arte è in guerra, una nuova guerra globale. Il campo estetico non è pacifico, ma un campo di battaglia. E l’artista attivista, che fa della propria vita una pratica, utilizza l’esperimento artistico come parte di una lotta politica. Non come vera politica, ma politica di vita, segnale di un modo di essere vivi. Come pratica di vita, vuole creare un contraltare al modo di vivere del capitale umano, all'idea di avere successo, di «essere competenti», di essere dotati di un dono speciale, un talento, che deve essere utilizzato nel servizio del progresso e della produzione. Di produrre la propria soddisfazione e di veder crescere il proprio capitale umano. "L'arte moderna è nata come resistenza alla fede nel dono o nell'abilità naturale." I futuristi (Marinetti) estetizzavano l'arte, ma soprattutto per criticare il progresso unilaterale. Di fronte alla fede social-darwinista nel talento naturale, nella creatività e nell'io unico, l'artista integra nel suo lavoro il fallito (il tentativo), ciò che crea riduzione anziché produzione, contraddizioni anziché opposizioni, immagini condensate anziché miglioramenti , movimenti non lineari anziché lineari. Per Groys, il flusso del materialismo diventa il nome di una pratica che deve condividere il suo destino con le cose, gli oggetti, vale a dire la loro caducità, mortalità, distruzione, contorni dissolventi. Il realismo consiste nel mostrare le cose così come sono, nelle loro forme degradanti, mutevoli e strane.
Internet rende possibile considerare l’arte come una vita dotata di aura, ma senza oggetti – come una biopolitica che esplora i modi di essere vivi.
Scomparire tra la folla. L’era di Internet promuove la dimensione sociale dell’arte. Qui dobbiamo tenere la bocca chiusa, perché per Groys il sociale non è la quantità di comunicazione, networking e la costante isteria del lavoro a progetto, che proprio rende difficile per molti artisti creare arte (vedi Bojana Kunst: Artista al lavoro). Non crei arte attraverso il dialogo e la conversazione. È la scoperta, un modo di vivere che permette di connettersi con altre forze e di lasciarsi contaminare e mantenere vivo il bacillo estetico. Essere sociale va oltre la democrazia consensuale che include solo il cittadino “normale” e sensibile, non i bambini e i pazzi. Né gli animali e gli uccelli, anche se Francesco Assisi cantava agli uccelli, o le pietre, anche se secondo Freud abbiamo l'urgenza di essere pietre. Oppure le macchine, anche se molti artisti hanno voluto essere macchine (Andy Warhol). L'artista non è solo sociale, ma supersociale nel senso del sociologo francese Gabriel Tarde, dove l'imitazione di organismi, figure e oggetti diversi diventa parte di una pratica di vita artistica, di un modo di vivere. Il compito non è produrre il gusto del suo tempo, ma essere coinvolto nel mondo, nel cosmo, per mostrare perché le cose sono come sono, evanescenti, mortali, decadenti, compreso lui stesso. L'artista stesso vuole scomparire nella folla (nel flusso). L'artista del futuro è quello a cui si riferisce Wagner nel suo Opera d'arte totale, colui che non cerca di esaltarsi presso una folla selezionata, ma che diventa tutt'uno con il suo oggetto: il canto, la voce, la forza dell'amore. Non per cercare l'armonia, ma per dissolvere il sé e modificare la sensibilità. L'artista viene accusato di essere elitario o poco social, ma lui è il contrario, super social, e per essere tale, vivere così, deve ritirarsi dalla società. Deve cercare altre zone, altre forze, non perché si consideri qualcosa di speciale, ma per evitare che il bacillo estetico si estingua.
