(QUESTO ARTICOLO È TRADOTTO DA Google dal norvegese)
Cominciamo con una fotografia. Nel 1972, Jack Schmitt scattò una foto della Terra dalla navetta spaziale Apollo 17. "Poiché mostrava il globo sferico dominato dall'oceano blu che si sovrapponeva alle masse d'acqua verdi e alle nuvole vorticose, questa immagine divenne nota come Blue Marble. In modo efficace, il fotografo è riuscito a ritrarre il pianeta nel suo insieme e nello spazio: nessuna presenza o attività umana può essere vista. L'immagine è stata mostrata su quasi tutti i giornali in prima pagina nel mondo... La gente ha visto Blue Marble ha detto che ha cambiato le loro vite”. (Nicholas Mirzoeff: Come vedere il mondo)
Oggi vediamo fotografie di rifugiati, vittime della guerra, cambiamenti climatici catastrofici – e per la maggior parte di noi non lasciano una brutta impressione; non sentiamo alcuna responsabilità. Segni e immagini sono ovunque. E stiamo parlando della crisi dell’arte. Ma forse non è la fotografia (o la letteratura) in quanto tale ad essere in crisi, ma il pensiero stesso, orienteringi rifiuti? Siamo di fronte a una nuova era che richiede un pensiero rinnovato, anche all'interno dell'arte stessa. Siamo circondati da immagini, segni e letteratura, ma l'importanza di queste forme d'arte diminuisce di giorno in giorno a causa del surriscaldamento della comunicazione. La letteratura, le arti visive e la fotografia sono diventate, all'interno di ciascuno dei loro campi, una forma di comunicazione tra le tante. Gli artisti oggi si chiedono quindi: come posso fare la differenza? Proviamo tre ingressi: 1. Arte e politica; 2. L'arte e i feriti; 3. Arte e libero pensiero.
- Arte e politica
Cosa significa che l’arte è in relazione con la società circostante? L’arte è rivoluzionaria/la società sovversiva o è principalmente una forza sensibile e critica che può successivamente acquisire un significato politico? Secondo alcuni autori (Boris Groys), la perdita dell'importanza della tradizione e la morte della filosofia illuminista ci mettono in una situazione politica acuta in cui l'individuo è abbandonato al proprio corpo, alla propria esposizione, alla nuda vita. Ogni artista oggi si pone la domanda: come spiego quello che faccio? Sono vivo? E non è proprio l'arte la pratica che, sopra ogni altra cosa, può farci sentire vivi?
Vediamo fotografie di rifugiati, vittime di guerre, cambiamenti climatici catastrofici, ma per la maggior parte di noi non fanno molta impressione.
Nel suo libro su David Bowie, Simon Critchley scrive che Bowie ci ha reso liberi di sviluppare un sé diverso, più eccentrico, strano, aperto ed emozionante; la vita è diventata un po’ meno ordinaria, meno noiosa. Bowie si è distinto perché è riuscito a creare variazioni su diversi personaggi (Ziggy, Major Tom, Low), e sapevamo che nessuno di loro era reale, ma comunque colpivano qualcosa di vero. Uno stato d'animo fondamentale. "Un'atmosfera che mostra che nel mondo non tutto va bene – cioè. non è coerente con sé stessi, il che consente una certa demondaneizzazione, un ritiro, che ci permette di vedere il mondo in una luce utopica.» Indubbiamente una meravigliosa capacità di donare qualcosa che fa sentire bene con tutto il corpo anche se non è autentico. L'arte di Bowie, un'arte forte, ci mostra che esiste una vita prima energia. Uno spazio libero che mantiene un'apertura che non è né politica né privata, ma legata alle esperienze corporee.
È qui che risiede l'arte, «come un'illusione cosciente riflessa la cui perdita non è falsa, ma serve una verità fisica sentita» (Critchley). L'arte è questa questione radicale che non deve necessariamente soddisfare una richiesta di contestualizzazione. Poiché un'opera d'arte è collocata in un contesto sociale, non parla da un luogo politico diretto. Un dipinto di profughi annegati nel Mediterraneo "riusce" non perché porta un messaggio politico, ma perché nel suo modo di lavorare con la materia (sensazione e forma) mi fa realizzare la mia fragilità e che quindi mi ritrovo nella stessa barca come loro. L'arte è questo spazio per pensare.
Con la morte di Dio, la morte della tradizione, la morte della ragione, la morte della famiglia e il vuoto del lavoro, secondo Groys, l'arte si trova di fronte all'azione diretta. Ma qui si trascura che la forza dell'arte avverrà sempre attraverso l'azione indiretta, espressa attraverso figure, immagini, suoni, come l'arte di Kafka, come quella di Bowie quando era al suo meglio. La sofferenza oggi consiste nel fatto che siamo intrappolati in noi stessi, che non possiamo fare altro che godere. Il potere di preservazione del sistema non funziona attraverso l'oppressione, ma attraverso la seduzione. Il potere governa le persone, non attraverso divieti e bisogni, ma rendendoci dipendenti dal piacere. Vengono seguiti l'autoesposizione e l'autosfruttamento dell'imprenditore e dell'artista. L'individuo diventa padrone e schiavo in uno (Lui). Se l’arte può aiutarci in qualcosa, è guardare oltre noi stessi. Per darci la speranza che non siamo soli. L’arte forte deve mostrare alienazione e allo stesso tempo essere un desiderio di sfuggire al nostro isolamento, un tentativo disperato di superare e cancellare la solitudine, una connessione con le altre persone. Per fuggire da questo luogo senza amore in cui ritroviamo noi stessi e troviamo ricordi che bruciano e ci fanno fermare e chiedere: dove siamo adesso? Dobbiamo amare lo straniero e allo stesso tempo dobbiamo distruggere la fede in ogni nobile illusione, sia essa Ziggy o il superuomo di Nietzsche. "Il superamento della condizione umana è una catastrofe, ma allo stesso tempo l'uomo resta un ostacolo. Siamo umani, fin troppo umani, eppure desideriamo superare questa condizione”. (Critchley)
Una buona opera d'arte non trabocca, non si tradisce, ma si aggrappa a qualcosa, ha una sua distanza, così da fluttuare nel tempo, ancora e ancora.
- L'arte e i feriti
L’indebolimento dell’arte è legato alla cultura del piacere del consumo, ma forse è ancora più strettamente legato al mito del dominio del mondo, dell’avere il controllo. Ho visto la strana luce negli occhi dei giovani, la luce di un magico controllo digitale sulle proprie vite, narcoticamente sovraeccitati alla prospettiva di esibirsi e fare shopping tra feste, partner, lavoro, istruzione. L’economia della cocaina. La cosa vera: niente da sentire. Diventa sempre più difficile per noi vedere i nostri limiti. Abbiamo creato uno stile di vita e una società che si oppone direttamente alla nostra capacità di prendere coscienza della fragilità, dell'autolimitazione, della morte. Tutto è troppo vicino e allo stesso tempo troppo lontano.
Nel suo piccolo libro su Giacometti, Jean Genet scrive che la bellezza ha la stessa origine della ferita, che è qualcosa di peculiare di ogni essere umano. Una buona opera d'arte non trabocca, non si tradisce, ma si aggrappa a qualcosa, possiede una propria distanza, fluttua, per così dire, ancora e ancora nel tempo. Non ha bellezza senza essere anche solo, solitario. Si tratta della vita, dell'oscurità, del segreto, dell'inutile, del liberarsi dalla storia in mezzo alla storia. Questo ammasso di pietra della vita (che è anche un quadro) er la resistenza, è portatore della ferita, della perdita, di ciò a cui altrimenti non avremmo accesso. Quando la bellezza diventa liscia, lisciare, otteniamo Jeff Koons, iPhone, ceretta brasiliana, letteratura terapeutica in cui possiamo rispecchiarci. Nessun attrito, nessuna resistenza. Il brutto e lo strano perdono il suo potere di negatività, come dice Byung-Chul Han. Anche il diabolico e l'empio vengono attenuati per il consumo, per il divertimento.
Scontrandomi con i miei confini, essendo straniero nella mia lingua, potrei dire qualcosa che vale la pena ascoltare.
- Arte e libero pensiero
"Veramente non so nuotare. Desideravo da tempo imparare come fare. È un campione olimpico che parla. Le parole provengono da un piccolo frammento di Kafka. Il nuotatore esperto non impara mai completamente a nuotare. È un estraneo nel suo stesso elemento. L'arte, il pensiero critico e la vita inventiva non significano proprio diventare estranei nel proprio elemento? Scontrandomi con i miei confini, essendo straniero nella mia lingua, potrei dire qualcosa che vale la pena ascoltare. Essendo estraneo a ciò che vedo, posso forse iniziare a scattare foto che vedono il mondo? Ma forse è diventato più difficile? Consideriamo le attività come obiettivi e perdiamo di vista il pensiero ricettivo al familiare, che può apparire allo stesso tempo strano ed estraneo, cioè reale.
Il rapporto tra riposo e non riposo si è invertito: il riposo è diventato ricreazione e ricarica in favore del lavoro. Il tempo libero è definito attraverso il tempo di lavoro. Come se avessimo dimenticato che pensare senza obiettivi è la più attiva di tutte le nostre attività: nel ritirarci nel diventare ricettivi al mondo. Per un periodo non ho voluto partecipare alla società. In ogni caso, senza dover più produrre alle stesse condizioni. Invece, ho praticato una sorta di passività partecipativa e gradualmente ho sentito solidarietà con i poveri, i malati, le persone sole nei parchi, nelle biblioteche, nei caffè. Non partecipando alla vita sociale mi sono avvicinato alla gente. Il mondo è diventato più grande.
Oggi impariamo a vedere le persone come un potenziale infinito che può e deve essere realizzato attraverso una produttività costante. Ciò che sacrifichiamo non sono potenziali, ma im-potenziali, la nostra capacità di farlo non essere. Non essere un mezzo per raggiungere un fine. Non dover essere questo o quello, ma completamente aperto, vuoto ed estraneo. Essere vivi è trovare spazio per ciò che non ha scopo, spazio per la perdita, per il superfluo, la morte, il mero essere, l'improduttivo. Perché cosa fare quando non riesci a trovare conforto nei falsi dei? Bisogna continuare a creare, a porre domande, a sorprendere, a deliziare: oggi, domani. Così come dura una canzone, una poesia, un film, possiamo “discreare” tutto, per usare le parole di Simone Weil, ciò che è stato creato da noi, e immaginare un modo di vivere diverso, qualcosa di utopico. È questa speranza che troviamo scorrere nelle migliori canzoni di Bowie, nelle elegie duinesi di Rilke, nelle Stalker, Bach/Glenn Goulds Variazioni Goldberg.
FATTI: Conferenza al Kulturhuset Oslo 8 settembre. in occasione del seminario Framing Content sulla crisi della fotografia e della cultura dell'immagine. Invitati dalla Fotogalleriet (Stephanie von Spreter) e dalle artiste Nina Toft, Iselin Linstad Hauge, Hilde Honerud e Line Løkken, volevano un dialogo più ampio sulla situazione della fotografia e della cultura dell'immagine oggi, sul rapporto dell'immagine con l'arte, con il pensiero e quello esistenziale. Altri partecipanti: Klara Källström (artista, Svezia); Lars Willumeit (curatore, Svizzera); Beate C. Rønning (artista e scrittrice, Norvegia); Hester Keijser (curatrice e direttrice, Paesi Bassi).
