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Un ricordo piuttosto violento della vivacità della vita

La studiosa di cinema francese e curatrice cinematografica Nicole Brenez ha lavorato instancabilmente per mettere in evidenza film e iniziative che si trovano al di fuori – e spesso prendono una distanza critica da – la produzione cinematografica egemonica e industriale.




(QUESTO ARTICOLO È TRADOTTO DA Google dal norvegese)

Di Endre Eidsaa Larsen

Tra gli artisti e i movimenti artistici modernisti del 1900° secolo, c'erano individui che hanno cercato di abbattere la distinzione tra il simbolico e il reale, il sogno e la realtà, l'ideale e il reale. I surrealisti degli anni '1920 segnarono, come lo definì Albert Camus, "ribellione assoluta, disobbedienza totale, sabotaggio regolare, [...] il rifiuto di ogni regolamento". I surrealisti volevano "trasformare il reale nel meraviglioso". Hanno visto, come i dadaisti prima di loro, un potenziale trasformativo nell'arte: i dipinti non dovevano essere strani oggetti appesi alle pareti del museo, ma una forza sconcertante nella vita quotidiana.

È noto che Marcel Duchamp capovolse un orinatoio e lo espose come arte, lo chiamava lui Fontana e firmato con il nome dell'idraulico. Ma altrettanto caratteristico (e meno concettuale) è stato quando l'artista italiano Filippo Tommaso Marinetti ha creato musica dai suoni di macchine da scrivere, strumenti rumorosi e coperchi di bollitori. Secondo Richard Huelsenbeck, uno dei fondatori del dadaismo, questa iniziativa era inizialmente intesa come nient'altro che un "richiamo piuttosto violento del colorito della vita".
Quest'arte e la comprensione dell'arte segnarono un chiaro atteggiamento critico nei confronti dei modi di vedere e di pensare, delle regole e delle norme consolidate, che nella sua forma radicale e sistematica erano nuovi nella storia. L'arte doveva essere un confronto con un razionalismo limitato che aveva mandato le persone in una guerra mondiale. "Siamo critici nei confronti di ciò che la società ci chiede di dare per scontato", gridava quest'arte, "capovolgiamo le regole e ciò che la società considera prezioso e ciò che la società considera inutile". "Allarghiamo il campo della realtà", diceva il surrealista André Bretón.

Il cinema come attività critica. Nicole Brenez ha lavorato per mettere il cinema in contatto con questa concezione rivoluzionaria dell'arte. L'ultimo libro di Brenez tradotto in inglese, Introduzione al cinema lettrista (2015), è l'ultima di una serie di iniziative per una comprensione più ampia del potenziale del cinema come forma d'arte impegnata con la capacità di intervenire nella realtà sociale e creare cambiamento. Come ricercatrice e comunicatrice, ha a lungo posizionato il cinema in una tradizione artistica e intellettuale più ampia, e ha sottolineato un'arte cinematografica che entra nell'arena della battaglia politica con un impulso ribelle. In opposizione al film industriale dominante, che tende a limitare e standardizzare il modo in cui ci avviciniamo al mondo (usando espressioni standardizzate), Brenez ha evidenziato una pratica cinematografica sperimentale più marginalizzata che dipinge piuttosto una diversità e una potenzialità nella vita che viviamo. Lo fa ricercando costantemente nuove espressioni e combattendo i cliché in cui viviamo.

Ciò significa che il film per Brenez deve essere inteso come un'opera formale con una responsabilità morale e con implicazioni politiche. Il cinema ci offre determinate forme ed espressioni che, insieme ad altre forme di espressione, modellano il modo in cui ci appare il mondo. Brenez vede l'innovazione cinematografica in una prospettiva politica, perché "criticare il mondo significa criticare l'ordine discorsivo". Il cinema, come ogni altra arte, deve esserlo attività critica quali mettono in discussione le regole della comunicazione e come le forme di rappresentazione consolidate la descrivono come esistente.
In un testo intitolato "Cultural Guerillas: the Fundamental Questions of a Cinema of Intervention" (2012), Brenez invita a una comprensione dell'arte che veda il valore dell'innovazione artistica – in correlazione alla relazione critica di questa innovazione o alla resistenza alle strutture di potere esistenti. Cita l'artista Julio Le Parc: "Invece di cercare innovazioni nell'arte, dobbiamo cambiare, quando possibile, i meccanismi fondamentali che determinano le condizioni della comunicazione".
L’arte non dovrebbe essere intesa come un oggetto estetico per la contemplazione asociale, ma come una forza sociale attiva che interviene in un più ampio scambio di idee. Si tratta, attraverso l'arte, di "creare situazioni in cui le persone possano ritrovare il proprio potenziale per creare cambiamento". Ciò avviene resistendo a convenzioni, abitudini e cliché che favoriscono uno stato di apatia, stabilità e passività. L'arte diventa una resistenza alle strutture che mantengono la vita secondo schemi antichi e tradizionali; strutture che limitano il margine di manovra nel modo in cui pensiamo e percepiamo il mondo che ci circonda. "I sistemi di vita", scrive Le Parc, "continueranno a essere mantenuti, anche durante i cambiamenti di regime politico, se non li mettiamo in discussione".

Il movimento lettrista. Sembra quindi un collegamento naturale nel lavoro di Brenez quando ora presenta il movimento lettrista in una prospettiva storica cinematografica. Per Brenez, il film lettrista segna il vero punto di svolta rivoluzionario spesso associato alla New Wave francese: un lavoro autoriflessivo, giocoso e in cerca di libertà con ciò che il film può esprimere, e come.

Il rumeno Isidore Isou iniziò già nel 1942 a sviluppare quello che sarebbe diventato noto come "lettrismo". Studiò la letteratura occidentale fino ai dadaisti e osservò uno sviluppo in cui le persone si erano gradualmente liberate dalle esigenze del tema, della versificazione, della sintassi – persino della parola. Restava un'ultima fase: liberarsi dalla lettera. Da qui il nome lettrismo.
Ma Isou non era interessato solo alla letteratura e al linguaggio verbale. Si occupò di "tutte le discipline umane". Isou ha attaccato non solo la lettera, ma i costrutti sociali in generale. L'idea era quella di decomporsi, ristrutturando e ricostruendo così espressioni e sistemi di pensiero e di vita. Ciò ha provocato attacchi a forme d’arte come la pittura e la danza, ma anche ad ambiti come l’economia, la politica e l’erotica. I situazionisti sono nati dall'iniziativa di Isou.
Come Brenez chiarisce abbondantemente nel capitolo “Dal lettrismo alla guerriglia”, non si è fermato alle opere d’arte e alle teorie. Il movimento ha ispirato azioni attiviste concrete, come le proteste contro le guerre in Algeria e Vietnam. Diversi artisti hanno cercato di "trasformare i gesti artistici in armi di guerriglia". Il lettrista Jean-Louis Brau ha raccontato di un piano mai realizzato: occupare il museo del Louvre, confiscare i dipinti più famosi e usarli come scudi contro la polizia. Estetica ed etica diventano sinonimi in una lotta artistica contro i sistemi congelati per la vita.
Gli anni 1951 e 1952 segnano l'inizio di un lettrismo cinematografico: con il film Trattato sulla melma e sull'eternità (1951) e il testo "Esthétique du cinema" (1952), Isou inizia ad attaccare il film. Tipico del movimento, vediamo una combinazione di teoria e pratica. Le opere d'arte selvagge sono state seguite da un "approccio concettuale sistematico all'ingegno formale".
Brenez lo sostiene Traité segna una nuova fase per il cinema come forma d'arte. Dopo aver esplorato diverse possibilità compositive nella sua prima fase, questa seconda fase è caratterizzata dalla scomposizione. Nel film di Isou, ciò si manifesta in un montaggio sconnesso, in immagini graffiate e disegnate e in un trattamento dell'immagine e della colonna sonora come due interi separato elementi. Il pioniere americano dell'avanguardia Stan Brakhage definisce il film "una polemica creativa che non ha paralleli nella storia del cinema".
Dal 1962, l'artista Maurice Lemaître riprende l'iniziativa di Isou e realizza numerosi film. Brenez evidenzia il suo Un lavoro (1968), che collega alle tradizioni dell'arte moderna come collage e "una fede nel gioco d'azzardo creativo piuttosto che nella maestria". Queste tradizioni, legate al dadaismo, si riferiscono a una certa concezione dell'arte che Brenez riassume nel seguente slogan: "Lo scopo dell'arte è liberare la coscienza e non produrre oggetti di alto valore". Questo desiderio di liberazione si manifesta anche nella sperimentazione della stessa forma espositiva. Il lettrista Marc'O arrangia, per esempio cinema-acquario, dove tra il pubblico e lo schermo è posto un acquario con pesci. Brenez cita il regista francese André Téchiné: "Ciò che mi interessa, dice Marc'O, è come certe persone trascendono i limiti umani quando si comportano in modo giocoso".

Il lettrista Jean-Louis Brau ha raccontato di un piano mai realizzato: occupare il museo del Louvre, confiscare i dipinti più famosi e usarli come scudi contro la polizia.

"Il valore della maggior parte dei film consiste nell'essere fatti a pezzi e utilizzati per creare nuove opere", scrive Gil J. Wolman. Tuttavia, Brenez sottolinea che i film sul lettrismo non dovrebbero essere realmente intesi come film popolari negativo, ma come tentativo di "massimizzare le possibilità del film". Ciò che è distruttivo deve essere visto alla luce del desiderio di qualcosa di più: la decomposizione di Lettristen riguarda la distruzione norme di espressione limitate - allargando così il campo del cinema e della realtà.

Corto e compatto. Introduzione al cinema lettrista è un libro breve e ha le dimensioni di un iPhone. Nelle 43 piccole pagine del corpo del testo, è pieno zeppo di idee e informazioni. Nicole Brenez ha uno stile di scrittura compatto, a volte difficile da penetrare, ma che ha anche la capacità di suscitare coinvolgimento e nuove riflessioni. Si tratta di una penna dall'intelligenza particolarmente energica e sensibile.

Tipicamente per Brenez, il libro è pieno di nomi, titoli e anni. Questi non sono solo elencati, ma appaiono come fiamme vive che bruciano nelle pagine.
Il lettrismo rappresenta un attacco anarchico e di affermazione della vita al consolidato, di cui vediamo pochi esempi nella cultura cinematografica norvegese oggi. Nel cortometraggio si notano alcune tendenze, ma nel lungometraggio è forse solo Mariken Halle ad avviare una pratica di decomposizione (una rivalutazione analitica e poetica di ciò che il film è e può essere). In questa cultura cinematografica dalla mentalità ristretta, potrebbe essere utile dare un'occhiata al libro di Brenez e al suo ulteriore lavoro. Nel complesso, il progetto lettrismo – che è ancora vivo – rappresenta una "combinazione e liberazione di arte e vita con mezzi creativi", che può ancora ispirare. Lascio l'ultima parola a Wolman e Guy Debord, con uno slogan che sembra parlare a favore dello spirito combattivo del letarismo: "Niente può impedire alla vita di essere estremamente toccante".

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