Dirigersi

"Cos'è il talento di un'attrice? L'arte di falsificare se stessi, indossare una personalità diversa dalla propria, apparire in modo diverso dal proprio essere, appassionarsi del sangue freddo, dire qualcosa di diverso da ciò che si pensa naturale come si intendeva davvero, e infine Dimentica il loro posto prendendo quello di qualcun altro ”, scrive Rousseau Lettera a D'Alambert. Ma dove Rousseau odia il teatro perché crea cittadini non autentici, il teatro di Robert Bresson funge da sacco da boxe didattico che mostra tutto ciò che il film non dovrebbe essere.

Bresson (1907–1999) si cimentò come pittore d'arte negli anni '20 e fino al 1933. Quindi iniziò a scrivere sceneggiature e nel 1934 fu dietro il cortometraggio Public Affairs, che nessuno ha visto da allora. Nel periodo 1950-1974 ha realizzato otto lungometraggi, mentre allo stesso tempo, in forma di aforisma, ha elaborato una poetica cinematografica che è successivamente diventata molto influente (in contrasto con i suoi film, che oggi sono per lo più visti a causa di Note sul direttore della fotografia).

cinema

Ha chiamato i suoi film contemporanei, di Bresson cinéma, trova solo difetti, e l'errore più importante è che questi film sono prodotti bastardi che non si sono staccati da altre forme d'arte. Per Bresson, il film è un mezzo con un potenziale unico. Descrive questo potenziale in aforismi precisi e laconici, e emerge attraverso le negazioni: l'errore principale con cinéma è la vita fragile che ha portato irresponsabilmente dal teatro, vale a dire attore. Questa falsa apparizione non ha nulla da fare nel direttore della fotografia. Di conseguenza, Bresson si oppone sia a Meyerhold che a Stanislavsky.

- annuncio pubblicitario -

La poetica cinematografica di Bresson è diventata successivamente molto influente.

Né la fisionomia né i fatti, né l'empatia di un'altra persona, possono essere tollerati nel mezzo del film sacro di Bresson. Il mondo della cinematografia ha più in comune con la pittura artistica di quanto Bresson ammetta apertamente: l'attore viene trascinato fuori dal giardino di Eden e sostituito da modelli. Nessun attore può essere un modello. I modelli agiscono – almeno idealmente – automaticamente e guidati dalle abitudini. Eseguiranno i loro compiti così tante volte che ogni cosa di intenzione e volontà verrà finalmente spazzata via. Tutto ciò che i modelli ikke spettacoli, sono qualità di base che sono completamente catturate dalla cinepresa. La comunicazione del regista con i modelli è telepatica e pioneristica, e il suo progetto deve essere costantemente e intuitivamente aperto per cogliere le lacune che altri oggetti, luci, suoni e condizioni meteorologiche portano caleidoscopicamente (prima che scompaiano nel prossimo momento).

Il regista come strumento

Il regista non dovrebbe usare strumenti, dovrebbe essere uno strumento – uno strumento di precisione che utilizza l'esclusivo repository cinematografico per creare e ricreare ciò che sappiamo dal catalogo di Eisenstein di diversi tipi di assemblaggio (ad esempio). Il registro crescente di Eisenstein fu pesantemente influenzato dai contrasti del costruttivismo costituito dai conflitti – il cui obiettivo poteva essere tollerato dalla rivoluzione. Tale montaggio diventa troppo rumoroso per Bresson concentrato e riducente: tutti i riflettori dovrebbero sparire, solo l'essenza dovrebbe apparire nella sua nudità; ed è qui che la pittura artistica canta ancora una volta dietro le foreste di Bressonian.

Proprio come Kraftwerk ha ridotto le sue composizioni a soli contorni archetipici, il creatore della cinematografia di Bresson rimuoverà tutto ciò che non contribuisce alle sensazioni e alle impressioni che sono ricercate. Una messa in scena o un adattamento intellettuale non farà altro che distruggere. Ma il confronto con Kraftwerk si è da tempo interrotto: mentre "Die Robots" si rammarica del modo in cui gli umani vivono la vita delle macchine, tale antiumanesimo per Bresson è una vita libera da punteggiatura e facce false.

Testo vs. immagine

I film di Bresson, insieme al suo famoso testo, possono essere visti come un esame critico della natura della narrazione cinematografica. I tre film che ha realizzato negli anni '50 sono tutte variazioni di un diario scritto trasformato in doppiaggio sull'azione visualizzata. In tutti e tre i film, Bresson mostra la tensione tra testo scritto e parlato da un lato e immagini frammentarie del film dall'altro. I suoi narratori raccontano a se stessi (e noi) storie per scoprire cosa è successo a loro. Questa volatilità di significato si riflette nel taglio di Bresson. Il genio di Erik Løchen La caccia (1959) è ovviamente ispirato alla teoria e ai film di Bresson.

elegantemente

I film di Bresson hanno ricevuto un'accoglienza tiepida ai loro tempi, e non riceveranno nemmeno alcun rinascimento. A tal fine, sono eccessivamente sterili e quasi scandalosamente contrassegnati dal momento in cui sono stati creati; Così sono entrambi sterile e vecchio stile. Il suo Note sul direttore della fotografiad'altra parte, vivrà e non solo tra i cineasti. La collezione di aforismi ha valore per chiunque persegua attività intellettuali e / o artistiche. Raramente un sacco di regole di ricordo, insistenze e avvertimenti apparivano più eleganti e minimalisti. Nello spirito di Bresson, li riassumo qui in una frase: non fare ciò che non dovresti fare!